25 slávnych obrazov: Kurátorské majstrovské diela v múzeách

Montagne Saint-Victoire od Paula Cézanna (1887), Lovci v snehu od Pietera Bruegela (1565), Pohľad na Toledo od El Greca (1596), Modré kone od Franza Marca (1911).

O slávnych obrazoch, majstrovských dielach sa učíme už od útleho veku. Aj v tomto veku vieme oceniť niečo z krásy, ktorú vytvára forma a farba. Pri skúmaní múzeí a galérií získavame vlastný vkus pre krásu, kultúrne ocenenie a vlastnú úvahu o tom, čo je majstrovské dielo. Často nás naše skúmania privádzajú späť ku kanonickým majstrovským dielom, ktoré teraz môžeme oceniť v novom svetle, v novom stave mysle; až potom, čo si rozšírime vedomosti o tom, čo robí maľbu majstrovskou.

Tu je 25 najznámejších obrazov v múzeách

25. Oplakávanie Krista Autor: Giotto

Oplakávanie Krista od Giotta, 1305, Fresco, v kaplnke Scrovegni, Padova

Giotto's Nariekanie nám ukazuje nádherne choreografickú scénu smútiacich okolo Kristovho tela, zrkadlenú anjelmi, ktorí sa zmietajú v agónii na modrom nebi. Táto scéna je prevzatá z Giottovej fresky vykonanej v kaplnke arény v Padove v Taliansku. Giotto tu porušil zavedenú tradíciu maľby, byzantský , a ohlasujúci úsvit Renesancia . Jeho použitie krajiny, kamenného múru, vedie oko ku Kristovi a žiaľom zasiahnutej tvári Matky Márie.

Giotto rámuje Krista dvoma mohutnými postavami, ktoré sa k nám otočili chrbtom, čo je na tú dobu originálny kompozičný počin a ponúka túto božskú scénu ako niečo veľmi ľudské. Môžeme sa spojiť so smútiacimi vďaka tomuto intuitívnemu realizmu, ktorý Giotto vniesol do svojej fresky. Giotto podnecuje nový vizuálny jazyk na vyjadrenie scén náboženského významu.

24. Záhrada pozemských rozkoší , Detail od Peklo Autor: Hieronymus Bosch

Záhrada pozemských rozkoší (Detail: Peklo) od Hieronyma Boscha , 1503-15, cez múzeum Prado, Madrid

Baví vás tento článok?

Prihláste sa na odber nášho bezplatného týždenného bulletinuPripojte sa!Načítava...Pripojte sa!Načítava...

Ak chcete aktivovať predplatné, skontrolujte svoju doručenú poštu

Ďakujem!

Hieronymus Bosch Záhrada pozemských rozkoší je triptych zobrazujúci postup z raja do pekla. Obrazy v každej sekcii sú veľké a plné úžasných, prekvapivých, nápaditých zariadení, nad ktorými si historici umenia lámu hlavu. Ako vidno z tohto detailu, plátno je plné záhad a záplavy scén, ktoré diváka zaplavia. Boschova schopnosť vykresľovať jeho fantastickú víziu diváka vzrušuje a šokuje. Jeho neskutočné plátno je pokryté zvláštnymi postavami, ktoré diváka vťahujú.

Veselosť a hrôza pekla sú takmer nepreniknuteľné pre divákovu schopnosť vytvárať zmysel, no napriek tomu sú naše emócie evokované, akoby sme rozumeli. Vieme, že vidíme peklo v celej jeho krvavosti a je hrozné v každom zmysle slova. Bosch dokázal vyjadriť hrôzu, odpor a úžas prostredníctvom nesúdržnosti.

23. Posledná večera Autor: Jacopo Tintoretto

Posledná večera od Jacopa Tintoretta, 1592, v kostole San Giorgio Maggiore, Benátky

Tintoretto Posledná večera ukazuje nádherné zaujatie efektmi svetla v slabo osvetlenom interiéri. Tintoretto mení obvyklú perspektívu Posledná večera vytvoriť zaujímavú kompozíciu. Mohli by sme si myslieť Leonardo da Vinci slávne vykreslenie s použitím lineárnej perspektívy. Tu sme vedení osvetlením svetla: tieň vrhnutý z krku slúžiacej ženy vedie naše oko priamo k Ježišovi Kristovi.

Úžasní, vzdušní anjeli sa vynárajú ako stúpajúci dym, aby zaplavili miestnosť. Je to plátno naplnené pohybom. Tintoretto naplnil plátno príťažlivou krásou, ktorá je aranžovaná hrou svetla. Tintoretto víta diváka v scéne, kde Kristovo svetlo pohlcuje a informuje našu víziu.

22. Lovci v snehu Autor: Pieter Bruegel

Lovci v snehu od Pietera Bruegela , 1565, cez Kunsthistorisches Museum Viedeň

Bruegel s Lovci v snehu ustupuje ďaleko za dedinu pod vznešenými skalami pokrytými snehom. Bruegel vytvoril nejednoznačnosť okolo teplého pocitu návratu domov a nedostatku potravy, s ktorou sa lovci zrejme vrátili. Vzdialení korčuliari sa tešia z toho, čo im zima ponúkla, zatiaľ čo poľovníci v popredí spolu so svojimi vychudnutými poľovníckymi psami čelili zimnej búrke.

Obraz v divákovi evokuje túto naratívnu schopnosť; žiada ich, aby pochopili dynamiku dedinského života. Bruegel však nenechal tento prvok ovládnuť estetiku dediny v chladnej divočine. Biela snehová pokrývka zakrýva scénu s osamelými vranami usadenými na bezlistých stromoch. Širokú zimu zdoláva dedinský ľud, ktorý sa stará o plameň.

dvadsaťjeden. Pohľad na Toledo Od El Greca

Pohľad na Toledo od El Greca , 1596, cez The Met Museum, New York

El Greco's ohromujúci obraz nad Toledom nápadne predbehol svoju dobu. Obrovské mraky sa šplhajú nad mesto a rozptyľujú temnotu nad okolím. Vytvára tiež pozadie pre budovy, ktoré stoja pevne v porovnaní s kefovanými kríkmi v popredí. Rieka začína tesne pod našim okom v pravom rohu a ideme po nej po moste. V dohľade niet človeka, len strohé mramorové budovy sa krčia na kopci.

Toto je viac symbolický ako realistický pohľad na mesto. Zdá sa, že El Greco nám ponúka symbolickú reprezentáciu nášho vzťahu k božskému, ako ho vidíme cez prírodu; ohromujúce mraky a plynúca krajina. Cítime, že oblaky sa blížia k rozpútaniu búrky, predtucha, že mesto sa už plazí preč, dolu svahom. Tento obraz krásne vyjadruje symbolický význam medzi mestom, ako ho vytvoril človek, a Božskou silou.

dvadsať. Bacchov triumf Od Diega Velazqueza

Bacchov triumf od Diega Velazqueza, 1628, cez Museo del Prado, Madrid

Na tomto obraze Velazquez spojila klasickú postavu Bakcha so súčasným španielskym bujarníkom. Čo robí tento obraz zaujímavým, je to, ako sa umelec pohráva s pozornosťou diváka. Ako boh Bacchus odvráti pohľad, obaja muži sa chápavo usmejú smerom k divákovi, šťastní, že sa zúčastňujú tohto bacchiovského obradu. V skutočnosti nám títo dvaja muži pripomínajú ľudí, ktorých sme mohli vidieť v ktorejkoľvek miestnej krčme.

Velazquezov kontrast medzi klasickou postavou a obyčajnými ľuďmi je ostrý a zábavný. Bakchus odvracia pohľad, zatiaľ čo korunuje obyčajného človeka vavrínovým listom; dar vína a uvoľnenia je pre každého. Zdá sa, že pohľady dvoch mužov pozývajú, usmievajú sa a hovoria, že ste rovnaký ako ja.

19. Nočná mora Od Henryho Fuseliho

Nočná mora od Henryho Fuseliho , 1781, prostredníctvom Detroitského inštitútu umenia

Hrôza z nočnej mory je často sprevádzaná váhou na tele; stres, ktorý niektorý sen spôsobil na myseľ a telo. Fuseliho obraz to zvláda dať vizuálny jazyk trápeniu a nepochopiteľnej povahe nočnej mory . Na bruchu ženy sedí gremlin a paralyzuje ju. Je hodina čarodejníc. Čierna kobyla prestrčí hlavu cez závesy s nepriehľadnými očami. Fuseli dáva divákovi zázračný vizuálny zážitok z iracionálneho rámca nočnej mory.

Mäkké šaty dámy napína gremlin, ktorý sedí, trpezlivý a nepoznateľný pri svojom pátraní. Obráti sa pohľad na diváka so zvláštnym pohľadom, ako keby divákovi vyčítal, že znepokojuje jeho poslanie. Fuseli's Nočná mora ukazuje mimoriadny výkon predstavivosti v prístupe k tejto téme a vnášaní života do niečoho, čo by sme radšej nechali za oponou.

18. Newton Od Williama Blakea

Newton od Williama Blakea , 1805, cez Tate, Londýn

Blake mal individuálny štýl, ktorý sa odklonil od Neoklasicistický / Romantizmus svojho dňa. Blakeove obrazy sú spracované so symbolikou a lákavou jednoduchosťou. Práve to robí jeho obrazy takými podmanivými. In Newton Blakeovi sa podarí ukázať, prečo cítil pohŕdanie veľkým vedcom. Newton meria predmet podobný zvitku namiesto toho, aby si uvedomoval farbu za ním; je zhrbený, meria, namiesto toho, aby žil a všímal si krásu prírody, ktorú nevie zmerať.

Blakeovo použitie klasického aktu v nevyspytateľnom prostredí (niektorí komentátori sa domnievajú, že je na dne mora) je spôsob, ako túto symbolickú myšlienku vyjadriť. Blake má jemne paralelné formy, aby nás varoval, aby sme sa neotočili chrbtom k náhode a záhade života. Newtonove prsty roztiahnuté ako kompas; jeho boky a chrbát sa prevrátia ako zvitok; Zdá sa, že zvitok, ktorý meria, vyteká z jeho vlastného tela, bez farby a intríg.

17. Smrť Sardanapalu Od Eugena Delacroixa

Smrť Sardanapala od Eugena Delacroixa , 1827, cez Louvre v Paríži

Delacroix s Smrť Sardanapala vytvára v tomto obraze veľkolepý rytmus použitím farieb. Sýta červená začína v ľavom hornom rohu a rozlieva sa diagonálne nadol. Delacroix použil túto bohatú farbu na paralelu s násilím, ktoré zapĺňa scénu. Telá sú roztiahnuté, muž ťahá za bohato oblečeného koňa, v popredí sa tlačia honosné šperky, všetko plávajúce na tejto červenej rieke.

Delacroix nenechal veľa priestoru bez dozoru; preplnil ho pohybom a drapériou, aby napodobnil náladu obrazu. Divák je pohltený témou, až kým sa nedostane k rovnomennému Sardanapalu, ležiacemu, pokojne hľadiacemu na posteľ. Leží v ostrom kontraste s udalosťami v popredí. Je to muž, ktorý spácha samovraždu, keď budú zničené všetky jeho rozkoše. Tento moment, ktorý zachytil Delacroix, je drásavý aj lákavý.

16. Snow Storm – Parný čln z prístavu Autor: J.M.W. Turner

Snehová búrka – parný čln z Harbour’s Mouth od J.M.W. Turner , 1842, cez Tate, Londýn

Turner ukázalo sa, že týmto impresionistickým stvárnením snehovej búrky predbehol dobu. Na rozdiel od svojich súčasníkov sa snažil emocionálne a vizuálne nakresliť dojem, aký to je pocit byť v snehovej búrke. To ho viedlo k priekopníkovi ranej formy abstrakcie . Vír monochromatickej farby obklopuje diváka, zatiaľ čo krátky pohľad na jasnosť doznieva len neisto uprostred plátna.

Existuje príbeh, ktorý sa teraz považuje za apokryfný, že Turner bol pripútaný k stožiaru lode počas búrky, aby zažil násilie prírody. Je vidieť, prečo sa tomu dalo veriť. Turnerovo stvárnenie je intuitívne a dramatické, pulzuje energiou a pohltí. Je to brilantná kompozícia, ktorá ukazuje ľudskú neschopnosť odolávať extrémom prírody.

pätnásť. Straka Autor: Claude Monet

Straka od Clauda Moneta , 1868, cez Musee D’Orsay, Paríž

Veľa sa podarilo zachytiť zasneženú scénu ticha na tomto slávnom obraze. Medzi zasneženými konármi je vidieť len niekoľko domov; pred bránou sa objaví pár krokov. Horizont je zakrytý snehom, ktorý pokrýva krajinu, takže je ťažko viditeľné, kde začína obloha. Monetova scéna je krásnym dojmom, ktorý dokáže napodobniť pocity osamelej prechádzky za jasného zimného dňa.

Straka sedí na plote, jediná explicitná forma života na obraze. Neexistuje žiadny dôvod, prečo to Monet namaľoval, okrem toho, že ho to dojalo. Táto scéna prírody nás môže pohnúť kvôli inherentnému estetickému zmyslu, ktorý sa v nás pohybuje. Monet nemusí siahať po nejakom vyššom symbolickom význame, pretože všetko má priamo pred sebou.

14. Ulička topoľov Od Alfreda Sisleyho

Ulička topoľov od Alfreda Sisleyho , 1890, via, Musee D’Orsay, Paríž

Toto jemné stvárnenie pruhu topoľov na tomto slávnom obraze láka diváka použitím ortogonálnych línií. Sisley Zdá sa, že nás pozýva dolu alejou medzi svetlom posiate stromy. Dve postavy sa vydávajú na cestu a nevšímajú si túto nádhernú cestu, ktorú nám Sisley sprístupnila. Bohatá farba vydávaná svetlom postupne tmavne smerom k bodu miznutia.

Naľavo tečie rieka a v diaľke je vidieť niekoľko domov. Sisley namaľoval túto nádherne okolitú, svetlom zaliatu scénu meditatívnej ľahkosti. Neexistuje žiadny zhon, žiadne zbesilé davy energie, ale relaxačná prechádzka alejou stromov. Tiene sa predlžujú a naznačujú, že deň sa blíži ku koncu, možno na čas pokojného rozjímania. Sisley objednal svoje plátno s jemným drobným štetcom a zdá sa, že farby do seba splývajú a vytvárajú bohatý svet tichej krásy.

13. Montagne Saint-Victoire s veľkou borovicou Od Paula Cézanna

Montagne Saint-Victoire s veľkou borovicou od Paula Cézanna , 1887, prostredníctvom The Courtauld Institute of Art v Londýne

Cezanne úžasne zobrazil túto scénu tým, že vytvoril farebné polia, aby vytvoril maľbu neuveriteľnej hĺbky. Cézanne trávil veľa času snahou porozumieť prostrediu, v ktorom maľoval, a snažil sa pochopiť, ako maľovať to, čo vníma. Formy pod horou môžeme rozoznať ako polia a domy, ale pri bližšom pohľade sa zdá, že prvky každého z nich sa spájajú a zrážajú sa.

Je to súčasť krásnej Cézannovej estetiky, ktorá vytvára dojem foriem, ktoré prichádzajú do úvahy, ako keď pri pohľade spracovávame naše prostredie. Naše zameranie siaha tak, aby sme zabrali ako celok, ale dokážeme detailne špecifikovať, namiesto toho vidíme všade okolo nás nejasné dojmy a miešanie farieb.

12. Pšeničné pole s vranami Od Vincenta Van Gogha

Pšeničné pole s vranami od Vincenta van Gogha , 1890, cez Van Goghovo múzeum v Amsterdame

van Gogh namaľoval otrasnú scénu. Vrany na tomto slávnom obraze, len dva alebo tri ťahy štetcom, buď odchádzajú, alebo sa vracajú do pšeničného poľa. Zdá sa, že čierna noc pomaly pohlcuje modrú dňa; cesta sa vinie mimo výhľadu. Van Goghov maliarsky štýl dokáže tak dobre pôsobiť na formu, že vieme, na čo sa pozeráme, a zároveň sa zdá, že farby vyjadrujú viac, než znamenajú.

Van Goghovo silné využitie farieb a jeho metóda maľby spolupracujú pri vytváraní emocionálne nabitého obrazu. Čierna, ktorá preniká cez modrú oblohu, nám hovorí o hroziacej katastrofe; vrany sú ako narastajúca úzkosť. Van Goghova silná emocionálna rezonancia s jeho témou vytvára toto príťažlivé expresionizmus ktorý premieňa prírodnú krajinu na emocionálnu.

jedenásť. Tahitská krajina Od Paula Gauguina

Tahitská krajina od Paula Gauguina , 1891, cez Minneapolis Institute of Art

Gauguin Slávny obraz vnáša do umenia konca devätnásteho storočia sviežu živosť. Sýtou farbou vzniká nádherná melódia. Gauguin zvládol teplo z antirealistickej farebnej schémy av tomto zmysle je obraz realistickejší pre tento experimentálny dotyk. Osamelá postava nesie nejaké zásoby, zatiaľ čo pes čaká pri ceste. Žlté pole je popretkávané bohatou gradáciou zelenej a oranžovej. Farby vyžarujú pre diváka slnko.

Gauguin mal už dosť Francúzska a odcestoval na Tahiti, aby oživil svoju radosť z maľovania a oživil svoju schopnosť vyjadrovať sa. V tejto pulzujúcej krajinnej scéne môžeme vidieť, že Gauguin ponúkol alternatívu k prirodzenej maľbe maľovaním týmto expresívnym spôsobom. Krajina je touto novou metódou nielen esteticky príjemná, ale obraz začína pôsobiť ako symbol voľnej expresivity, neobmedzovanej riadeným naturalizmus .

10. Ružový oblak, Antibes Autor: Paul Signac

Ružový oblak, Antibes od Paula Signaca , 1916, cez Museum of Fine Arts v Bostone

Signac Štýl pripomína mozaiku vo svojich jemne zmiešaných farbách. Je to takmer dokonalá abstrakcia od prírody a zároveň patrí k tej impresionistickej nálade, ktorá vie, že tento príjemný obraz už nikdy nebude existovať. Signacov oblak je posol slnka; drží svetlo a rozprestiera ho po plátne v krásnom zobrazení. Jednoduchá plachta je zakrpatená veľkosťou a ľahko sa unáša vo svojom odraze.

Signac's pointillist technika umiestňuje nepatrné farebné plochy vedľa seba, aby boli paralelné s gradáciami farieb, ktoré vidíme v prírode; ako náš mozog spracováva účinok svetla a farieb. Signac zmrazí tento moment v čase, aby ho znovu vytvoril ako prirodzenú spomienku, ktorú môžeme mať na osamelú plachtu.

9. Separácia Od Edvarda Muncha

Separácia od Edvarda Muncha , 1896, cez Munchovo múzeum v Osle

Munch mal prenikavú schopnosť vyjadriť vnútornú drámu nielen individuálnej úzkosti, ale aj vášní, ktoré existujú medzi dvoma jednotlivcami. In Separácia Muž sa zosype a chytí sa za srdce, ktoré sa mu akoby vysypalo na ruku – musí ho držať na mieste, aby zostal nažive. Symbol ženy sa teraz pretavuje do prostredia a stáva sa súčasťou pláže a oblohy. Tento slávny obraz je nádhernou metaforou toho, ako spomienka na lásku pretrváva vo fyzickom svete.

Munchov maliarsky štýl zdôrazňuje vnútornú emóciu a to, ako táto vnútorná emócia reaguje so svetom okolo nás. Munch nemusí študovať presnosť farieb alebo formy, aby ukázal, čo si praje. Maľoval v blokových farbách, čím dáva divákovi tieto zjavné postavy. Veľkú časť muža chápeme len podľa niekoľkých detailov tváre; ide skôr o farbu. Trochu „nedbalé“ nanášanie farby pridáva k tomuto priamemu a silnému pocitu oddelenia.

8. Improvisation 28 (druhá verzia) Autor: Wassily Kandinsky

Improvizácia 28 (druhá verzia) od Wassily Kandinsky , 1912, cez The Guggenheim Museum, New York

Kandinsky Abstrakcie mali v dvadsiatom storočí veľký vplyv. Ukázala estetickú kvalitu, že maľba nemusí mať objekt, ktorý by vyvolal emócie a meditáciu. Kandinského názov pre tento slávny obraz, Improvizácia, pripomína svojim divákom určitú muzikálnosť, ktorú sa snaží napodobniť farbou a líniou. Kandinsky si musel byť vedomý prirodzeného vytvárania zmyslov, z ktorého pozostáva vnímanie. In Improvizácia 28, dokážeme rozoznať tváre, oči, krajinu, domy bez akéhokoľvek súvislého priestoru. V skutočnosti formy, ktoré vidíme, sú len čiary a farby, o ktorých predpokladáme, že sú to tieto známe veci.

Kandinsky žiada diváka, aby ocenil kompozíciu tak, ako oceňuje hudobné dielo. Takto človek cíti harmonický pohyb v skladbe, kontrasty sekcií a dynamiku zvuku. Krásu môžeme nájsť aj v línii a farbe bez akéhokoľvek koherentného „významu“ alebo predmetu.

7. Veľké modré kone Od Franza Marca

Veľké modré kone od Franza Marca , 1911, cez Walker Art Center, Minneapolis

Franz Marc zloženie je kaskáda foriem. Jemnosť, s akou skomponoval kone a zrkadlí sa v prostredí, vytvára harmóniu hodnú hudby. Marc získa veľa, ale jeho antirealistické sfarbenie. Modré kone sú pokojné, majestátne, takmer nebeské. Ich pasúce sa hlavy navodzujú pocit ľahkosti a pohodlia, občerstvenia a spolupatričnosti. Spojenie základných farieb sa stretáva s divákom v upokojujúcej expresivite.

Franzovi Marcovi sa podarilo vyjadriť pokoj prírody bez naturalizmu. Slonovinové stromy pretekajú cez plátno. Nič na tomto obrázku sa nezdá byť trhavé alebo rezavé. To všetko prúdi v tejto zmyselnej farbe a vytvára jednotu formy. Táto jednoduchá scéna pasúcich sa koní bola premenená na harmonické zhodnotenie prírody Marcovým použitím farieb v tomto slávnom obraze.

6. Úzkostlivá cesta Autor: Giorgio De Chirico

Úzkostlivá cesta od Giorgia de Chirica , 1913, cez MoMA, New York

Chirico Klaustrofobická kompozícia mätie našu perspektívu ako úzkostná myseľ, ktorá si dáva príliš veľa pozornosti. Prázdnota na tomto slávnom obraze, napriek tomu, že plátno je zaplnené formami, je však pozoruhodné svojím účinkom. De Chirico je dobre známy pre svoj záhadný štýl a tu vidíme prečo. Vlak vyfukuje dym za krátkou tehlovou stenou ako netrpezlivý. Sila a pohľad vlaku sú zlovestné a divákovi pripomínajú zviera v klietke.

De Chirico bol zdrojom vplyvu pre surrealisti ktorí sa cítili byť ich predchodcom v jeho schopnosti zobrazovať vnútorné stavy mysle. Jeho zatienené kolonády sú ponorené do tajomstva, predtuchy a osamelosti. Poradie plátna je prísne a obmedzujúce. S architektonickými formami sa de Chiricovi podarilo vyvolať niečo z vnútorného ja.

5. Dynamika cyklistu Autor Umberto Boccioni

Dynamika cyklistu od Umberta Boccioniho, 1913, v zbierke Peggy Guggenheim, Benátky

Boccioniho Futuristický maľovanie je chválou pohybu a rýchlosti. V cyklistovi, ktorý bol abstrahovaný do série podôb, je niečo nádherné. Podobne ako kubistický Boccioni sa hrá s tým, ako vnímame formu, keď je v pohybe. Ide o prelomenie prísnych foriem racionálneho priestoru a vstup do nového priestoru, kde sú formy destabilizované a úžasné.

Boccioni farba pridáva k tomuto pocitu rýchlosti; vytvára estetiku z pohybu. Modrá v pravom hornom rohu rýchlo prechádza do stredu, kde je kompenzovaná zlatožltou farbou. Modrú ďalej zachytáva tvár muža, ktorú rozoznávajú iba všeobecné čiary. Biela vyžaruje z pulzujúcich žltých, fialových a modrých ako vlak odhaľujúci svoj dym, hoci sú to len kolesá. Boccioniho cyklista je odhodlaný a krásny, čo nám dáva nové vizuálne ocenenie rýchlosti.

Štyri. Milenci Autor: René Magritte

Milenci od René Magritte , 1928, cez MoMA, New York

Magritte bol majstrom hravosti a kráča v stopách de Chirica pre jeho nejednoznačnosť a záhadné rezonancie. V tomto slávnom obraze nás Magritte vábi neuveriteľnou maľbou dvoch postáv, bozkávajúcich sa milencov. Nikdy sa nedotýkajú, pretože ich hlavy sú zabalené v bielych plachtách. Čo z toho môžeme urobiť? Nemusíme si z toho nič robiť, hoci myseľ je na to zvyknutá – je to o neschopnosti dvoch jednotlivcov skutočne sa nikdy vidieť, pochopiť?

Magrittov vysoko realistický maliarsky štýl vytvára dokonalú príležitosť narušiť tento realizmus použitím záhady. Magrittov obraz je vtipný. Bozk, ktorý sa zdá byť taký vášnivý, zapôsobí na rovinu. V oboch milencoch je dôvera, ktorá robí biele plachty absurdnejšími. Magritte si užíval hádanky psychológie a filozofie a mal úžasnú schopnosť reprodukovať takéto hádanky na plátno.

3. Guernica Od Pabla Picassa

Guernica od Pabla Picassa , 1937, cez Národné múzeum umenia Reina Sofía v Madride

Picasso stvárnenie bombardovania z roku 1936 Guernica je mocným symbolom ničenia. Picasso si uvedomil, že naturalizmus by nevykreslil skúsenosť s terorom tak efektívne ako jeho kubistická metóda. Plátno na nás pôsobí chaoticky a ťažko interpretovateľné; použitie monochromatizmu, voľných, čiastočných foriem a skreslenia postavy. Formy sú sploštené a fragmentované vo vnútri tejto jednej budovy.

Realita deštrukcie zničila spôsob reprezentácie. Picasso sa domnieva, že akýkoľvek druh naturalizmu by do plátna vložil rozum a umelosť, čo by poškodilo zmysel a silu Picassa. Bombardovanie a ničenie je fragmentácia foriem, vyvolávajúca chaos.

dva. Metamorfóza Narcisu Od Salvadora Dalího

Metamorfóza narcisov od Salvadora Dalího , 1937, cez Tate, Londýn

Dalího meditácia o Mýtus o narcisoch je úžasne presný, no nepolapiteľný obraz. Dalí sa zaujíma o to, ako vnímame a čo zo svojich vnímaní robíme. Môžeme vidieť Dalího použitie dvojitého prevzatia, kde vnímame objekt ako niečo iné, kým si uvedomíme, čo to je. Aj keď pre Dalího a surrealisti , zaujímalo by ich, ktoré vnímanie je „skutočné“ a čo nám hovorí naše podvedomie; ako klameme sami seba.

Dalího maliarsky štýl, ktorý by nazval „ručne maľovaná farebná fotografia“, zahŕňa realitu aj klam. Kamenná postava Narcisa sa premení na ruku držiacu vajce, ktorá rozkvitne narcis. Dalí dáva do kontrastu plynúci čas s vnímaním, skutočným alebo oklamaným, aby poskytol nový vizuálny prieskum mýtu o narcisoch – mýtu, ktorý má tak veľa spoločného s vnímaním. Ide o to, ako vnímame samých seba a ako nás vnímajú iní.

1. Nighthawks Od Edwarda Hoppera

Nighthawks od Edwarda Hoppera , 1942, prostredníctvom The Art Institute of Chicago

Hopper Slávny obraz tu pripomína de Chirica v jeho pocite osamelosti vyvolanej architektúrou. Hopper sa však rozhodol pre realizmus na dosiahnutie tohto efektu. Veľké okno zobrazuje niekoľko ľudí v noci pod umelým svetlom a ulica vonku je chladná, prázdna a bez zvuku. Zdá sa, že dvaja muži v bare sa navzájom zrkadlia, žena v červenom vyzerá prázdna a o bar sa stará starý muž.

Je tu nepopierateľný pocit stagnácie. Až tak, že to diváka zneisťuje. Hopper povýšil latku malého času tak, aby predstavovala niečo presvedčivé o ľudskom živote; o samote a samote; o čakaní; o tom, ako trávime čas v noci na samote. Hopperov realizmus to prináša so silou. Zdá sa, že obmedzený výhľad, akoby bol zachytený pri prechádzaní okolo, zdôrazňuje túto odľahlosť individuality.

Zvedavosť slávnych obrazov

Keď skúmame slávne obrazy, hľadáme svoje vlastné estetické cítenie a to, ako to odráža naše vlastné chápanie seba a sveta. Často nám ukazujú slávne obrazy, ktoré sme videli v širšom kultúrnom kontexte, aby vyvolali pocity krásy a zážitku, s ktorými sa všetci môžeme stotožniť. Tieto obrazy sa však niekedy nepribližujú našim vlastným pocitom zo sveta. Musíme sa pustiť do vlastného neoficiálneho vzdelávania v maľbe, aby sme našli a ocenili svoj vlastný vizuálny jazyk.