9 krát história umenia inšpirovala módnych návrhárov

Linda Evangelista v šatách „Warhol Marilyn“ od Gianniho Versaceho, 1991; so šatami The Mondrian od Yves Saint Laurent, kolekcia jeseň/zima 1965; a šaty z kolekcie rezortu od Alexandra McQueena, 2013

Počas histórie išli móda a umenie ruka v ruke a vytvorili skvelý mix. Mnoho módnych návrhárov si pre svoje kolekcie požičalo nápady od umeleckých hnutí, čo nám umožňuje interpretovať módu ako formu umenia. Umenie nám slúži predovšetkým na vyjadrenie myšlienok a vízií. Ako znamenitú ódu na históriu umenia uvádzame nižšie deväť nositeľných umeleckých diel vytvorených vizionárskymi módnymi návrhármi20. storočie.

Madeleine Vionnet: Módna návrhárka, ktorá smerovala k starovekej histórii

Okrídlené víťazstvo Samothrace , 2. storočie pred Kristom, cez Louvre v Paríži

Narodil sa v roku 1876 v severnom strednom Francúzsku. Pani Vionnetová bol známy ako architekt krajčírov.Počas pobytu v Ríme bola fascinovaná umením a kultúrou gréckej a rímskej civilizácie a inšpirovaná antickými bohyňami a sochami.Na základe týchto umeleckých diel formovala svoj štýl estetiky a kombinovala prvky gréckeho sochárstva a architektúry, aby dala nový rozmer ženskému telu. S jej majstrovskou zručnosťou rúška a strih šiat , spôsobila revolúciu v modernej móde. Vionnet sa často obracal na umelecké diela ako okrídlené víťazstvo Samothrace za jej kreatívne zbierky.

Podobnosť medzi majstrovským dielomhelenistickýumenie a Vionnetova múza je zarážajúce.Hlboké prekrytie látky v štýle gréckeho chitónu vytvára vertikálne pásy svetla stekajúce po postave.Socha bola vytvorená ako pocta Nike, grécka bohyňa víťazstva a je obdivovaný pre svoje realistické zobrazenie pohybu. Splývavá drapéria Vionnetovho dizajnu pripomína pohyb vlniacej sa látky, ktorá priľne k telu Nike.Šaty môžu byť ako živé bytosti s dušou, rovnako ako telo. Ako Okrídlené víťazstvo Samothrace , Vionnet vytvorila šaty, ktoré prebúdzajú ľudské bytosti. Klasicizmus, ako estetická aj dizajnová filozofia, poskytol Vionnetovej schopnosť sprostredkovať jej víziu v geometrickej harmónii.

Basreliéfne vlysové šaty od Madeleine Vionnet , ktorú nafotil George Hoyningen-Huene pre francúzsky Vogue, 1931, cez Condé Nast

Vionnet bol fascinovaný aj modernými umeleckými smermi, ako napr kubizmus . Začala sa začleňovať geometrických tvarov do jej výtvorov a vyvinuli inú metódu na ich rezanie, nazývanú bias cutting. Samozrejme, Vionnet nikdy netvrdila, že vynašla zaujatý strih, ale iba rozšírilo jeho využitie . Keďže ženy na začiatku 20. storočia dosiahli veľký pokrok v boji za svoje práva, Vionnet bránila svoju slobodu odstránením dlhotrvajúceho viktoriánskeho korzetu z denného dámskeho oblečenia. Preto sa stala symbolom žien oslobodenie zo zovretia bustierov , anamiesto toho uviedla na trh nové, ľahšie látky, ktoré boliplávajúce na ženských telách.

Baví vás tento článok?

Prihláste sa na odber nášho bezplatného týždenného bulletinuPripojte sa!Načítava...Pripojte sa!Načítava...

Ak chcete aktivovať predplatné, skontrolujte svoju doručenú poštu

Ďakujem!

Valentino a Hieronymus Bosch

Záhrada pozemských rozkoší od Hieronyma Boscha , 1490 – 1500, cez múzeum Prado, Madrid

Pierpaolo Piccioli je hlavným dizajnérom Valentina. Náboženské umelecké diela zo stredovekuho veľmi oslovujú.Východiskovým bodom inšpirácie je pre neho prechodný moment od stredoveku k severnej renesancii. Spolupracoval so Zandrou Rhodes a spoločne navrhli inšpiratívnu kolekciu na jar 2017. Piccioli chcel prepojiť punkovú kultúru konca 70. rokov s humanizmom a stredovekým umením, a tak späť k jeho korene a renesancia, inšpiráciu v Hieronymus Bosch maľovanie Záhrada pozemských rozkoší .

Slávny holandský maliar bol jedným z najvýznamnejších predstavitelia severnej renesancie v priebehu 16. storočia. In Záhrada pozemských rozkoší ktorý Bosch namaľoval pred reformáciou, chcel umelec zobraziť nebo a stvorenie ľudstva, prvé pokušenie s Adamom a Evou a peklo, ktoré očakávalo hriešnikov. V centrálnom paneli sa zdá, že ľudia uspokojujú svoje chúťky vo svete hľadajúcom pôžitok. Ikonografia Bosch vyniká svojou originalitou a zmyselnosťou. Celý obraz je interpretovaný ako alegória na hriech.

Modelky na dráhe na módnej prehliadke Valentino Spring Summer 2017 počas týždňa módy v Paríži , 2016, Paríž, prostredníctvom Getty Images

V módny svet , obraz si získal obľubu, keďže jeho motívy očarili rôznych módnych návrhárov. Prelínanie epoch a estetiky, Piccioli reinterpretoval Boschove symboly cez plávajúce priehľadné róby, zatiaľ čo Rhodes vytvoril romantické potlače a vyšívané vzory s jemným prikývnutím k pôvodnému umeleckému dielu. Farby boli určite súčasťou posolstva, ktoré chceli módni návrhári odovzdať. Kolekcia plávajúcich zasnených šiat teda vychádza zo severskej farebnej palety jablkovo zelenej, svetloružovej a robinovej modrej.

Dolce & Gabbana a baroko Petra Paula Rubensa

Venuša pred zrkadlom od Petra Paula Rubensa , 1615, prostredníctvom kniežacích zbierok Lichtenštajnska, Viedeň; s Módna kolekcia Dolce & Gabbana na jeseň/zimu 2020 nafotila Nima Benati , prostredníctvom webovej stránky Nima Benati

Peter Paul Rubens majstrovsky maľoval ženy, s láskou, učenosťou a usilovnosťou .‘ Predstavil svoje Venuša pred zrkadlom ako konečný symbol krásy. Rubens výnimočne zobrazil jej svetlú pleť a svetlé vlasy, ktoré kontrastujú so slúžkou tmavej pleti. The zrkadlo je konečným symbolom krásy , ktorý rámuje ženu ako portrét, pričom jemne zdôrazňuje nahotu postavy. Zrkadlo, ktoré Amor drží pre bohyňu, odhaľuje odraz Venuše ako vyjadrenie sexuálnej túžby. Rubens, ktorý bol jedným zo zakladateľov Barokové umenie , a jeho koncept, v ktorom sú farby dôležitejšie ako línie, ovplyvnil viacerých módnych návrhárov vrátane Dolce & Gabbana. The Barokový štýl sa odchýlil od ducha renesancie , opustil pokoj a hladkosť a namiesto toho sa snažil o eleganciu, vzrušenie a pohyb.

Peace Embracing Plenty od Petra Paula Rubensa , 1634, cez Yale Center for British Art, New Haven; s Módna kolekcia Dolce & Gabbana na jeseň/zima 2020, ktorú nafotila Nima Benati , prostredníctvom webovej stránky Nima Benati

Módni návrháriDomenico Dolce a Stefano Gabbana chcel vytvoriť kampaň, ktorá vyzdvihne zmyselnú, ale aj romantickú stránku ženskej krásy. Peter Paul Rubens bol najvhodnejším zdrojom inšpirácie. Výtvory ikonického dua boli vo veľkej harmónii s umením flámskeho maliara. V tejto kolekcii modelky pózovali s veľkou noblesou a vyzerali, akoby práve vyskočili z jedného z Rubensových obrazov. Scenéria bola navrhnutá tak, aby pripomínala barokové zrkadlá a detaily výšiviek. Ladnosť postáv a paleta pastelových farieb dokonale zvýraznili brokátovo ružové šaty. Voľba módnych návrhárov zahrnúť rôzne modely ešte viac podporila typ postavy tej doby. Krivky, ktoré Dolce a Gabbana použili, išli proti diskriminácii rôznych typov tela v módnom priemysle.

Portrét Anny Rakúskej od Petra Paula Rubensa , 1621-25, cez Rijksmuseum, Amsterdam; s Modelka Lucette van Beek na dráhe Dolce & Gabbana, jeseň 2012 , ktorú nafotil Vittorio Zunino Celotto prostredníctvom Getty Images

Dámska kolekcia Dolce and Gabbana na jeseň 2012 zobrazuje mnohé charakteristiky talianskej barokovej architektúry. Táto kolekcia sa dokonale zhoduje s vysoko zdobenými vlastnosťami sicílsky barokový štýl . Módni návrhári sa zamerali na barokovú architektúru, ktorú možno vidieť v katolíckych kostoloch na Sicílii. Referenčným bodom bol Rubensov obraz Portrét Anny Rakúskej . V nej kráľovský portrét , Anne of Austria je zastúpená v španielskej móde. Anny čierne šaty sú zdobené , s vertikálnymi pásikmi zelenej výšivky a zlatými detailmi. Rukáv v tvare zvonu, známy ako Španielsky veľký rukáv je tiež podpis v španielskom štýle, rovnako ako volánový čipkovaný golier. Umele navrhnuté šaty a peleríny vyrobené z luxusných textílií, ako je čipka a brokát, ukradli prehliadku Dolce and Gabbana.

História umenia a módy: El Grecov manierizmus a Cristobal Balenciaga

Fernando Nino de Guevara od El Greca (Domenikos Theotokopoulos), 1600, cez The Met Museum, New York

Christopher Balenciaga by sa dal opísať ako skutočný módny majster, ktorý reformoval ženskú módu v 20. storočí. Narodil sa v malej dedinke v Španielsku a podstatu španielskych dejín umenia preniesol do svojich súčasných návrhov. Počas svojej kariéry bol Balenciaga ohromený Španielska renesancia . Inšpiráciu často hľadal v španielskej kráľovskej rodine a členoch kléru. Balenciaga premenila cirkevné kúsky a kláštorné odevy tej doby na nositeľné módne majstrovské diela.

Jednou z jeho veľkých inšpirácií bol manierista El Greco, známy aj ako Dominikos Theotokopoulos. Pozerajúc sa na El Greco's Kardinál Fernando Nino de Guevara , existuje podobnosť medzi kardinálovým plášťom a dizajnom Balenciagu. Obraz zobrazuje španielskeho kardinála Fernanda Niña de Guevaru z čias El Greca v Tolede. El Grecove myšlienky boli odvodené od novoplatonizmu talianskej renesancie a na tomto portréte on predstavuje kardinála ako symbol Božej milosti . Manierizmus je prítomný v celom obraze. Vidno to na pretiahnutej postave s malou hlavou, na pôvabných, ale bizarných končatinách, intenzívnych farbách a odmietaní klasických mier a proporcií.

Modelka v červenom večernom kabáte od Cristóbala Balenciagu, Parížsky týždeň módy, 1954 – 1955, prostredníctvom Google Arts and Culture

Balenciagova vášeň pre historické oblečenie je zjavná v tomto extravagantnom večernom kabáte z jeho kolekcie z roku 1954. Mal na to víziu a schopnosti pretvárať tvary do súčasnej módy . Prehnaný golier tohto kabáta kopíruje objemnosť kardinálovho plášťa. Červená farba v kardinálovom odeve symbolizuje krv a jeho ochotu zomrieť za vieru. Živú červenú farbu považoval slávny návrhár za výnimočnú, pretože často preferoval odvážne farebné kombinácie a svetlé odtiene. Jeho veľkou inováciou bolo odstránenie pása a zavedenie tekutých línií, jednoduchých strihov a trojštvrťových rukávov. Balenciaga tak urobila revolúciu v ženskej móde.

Návrhár tiež predstavil rukávy s dĺžkou náramku, ktoré ženám umožnili predviesť svoje šperky. Počas 60. rokov 20. storočia, kým postupné zavádzanie žien do pracovného priemyslu Balenciaga mal myšlienku poskytnúť ženám, ktoré obliekal, pohodlie, slobodu a funkčnosť. Presadzoval voľné pohodlné šaty, ktoré boli v kontraste s vtedajšími priliehavými siluetami.

Symbolizmus Alexandra McQueena a Gustava Klimta

Spln Gustav Klimt , 1905, cez MAK – Múzeum úžitkového umenia, Viedeň; s Šaty z kolekcie rezortu od Alexandra McQueena , 2013, prostredníctvom magazínu Vogue

Rakúsky maliar, majster o Symbolizmus a zakladateľ Viedne secesia pohyb, Gustav Klimt poznačil dejiny umenia 20. storočia. Jeho maľby a umelecká estetika boli dlho an inšpirácia pre módnych návrhárov . Okrem iných ako Aquilano Rimoldi, L'Wren Scott a Christian Dior, dizajnér, ktorý priamo odkazoval na Klimta, bol Alexander McQueen. V rezortnej kolekcii pre kolekciu jar/leto 2013 navrhol jedinečné kúsky, ktoré sa zdajú byť inšpirované maliarovým dielom . Pri pohľade na svieže čierne šaty s opakujúcim sa zlatým vzorom navrchu vám môže napadnúť konkrétna maľba. McQueen prijal abstraktné, geometrické a mozaikové vzory v bronzových a zlatých tónoch a začlenil ich do svojich návrhov.

V roku 1905 maľoval Gustav Klimt Plnenie , zobrazenie páru prichyteného v nežnom objatí, ktoré sa stalo symbolom lásky. Rakúsky maliar je známy svojimi zlatými maľbami, ale aj dokonalou zmesou abstrakcie a farieb prítomnou v týchto dielach. Všetky mozaiky majú bohaté zlaté tóny s kaleidoskopickými alebo prírodnými dekoráciami, ktoré mali veľký vplyv na módu. Tento obraz je živý vďaka kontrastným geometrickým tvarom medzi odevmi dvoch milencov. Mužský odev obsahuje čierne, biele a sivé štvorce, zatiaľ čo ženské šaty zdobia oválne kruhy a kvetinové motívy. Týmto spôsobom Klimt majstrovsky ilustruje rozdiel medzi mužskosťou a ženskosťou .

Christian Dior, The Dizajnér snov, A Claude Monet Impresionistické obrazy

Umelcova záhrada v Giverny od Clauda Moneta , 1900, cez Múzeum dekoratívnych umení v Paríži

Zakladateľ impresionizmus a jeden z najväčších francúzskych maliarov v dejinách umenia, Claude Monet zanechal po sebe veľké umelecké dielo. Monet využil svoj dom a záhradu v Giverny ako inšpiráciu a zachytil prírodnú krajinu vo svojich obrazoch. Konkrétne v obraze s názvom Umelcova záhrada v Giverny, podarilo sa mu manipulovať prírodnú krajinu podľa svojich potrieb. Kontrast hnedej blatistej cesty oproti žiarivej farbe kvetov dopĺňa scénu. Slávny impresionista si často vyberal kvet kosatca pre jeho fialovú farbu, aby vytvoril efekt jasného slnka. Tento obraz je plný života, keď kvety kvitnú a objímajú jar. Okvetné lístky ruží a orgovánu, kosatcov a jazmínu sú súčasťou farebného raja vykresleného na bielom plátne.

Šaty Miss Dior od Christian Dior Haute Couture , 1949, cez Múzeum dekoratívnych umení v Paríži

V rovnakom duchu, Christian Dior , priekopník francúzskej couture, urobil obrovskú stopu vo svete módy, ktorú je cítiť dodnes. V roku 1949 navrhol kolekciu Haute Couture na sezónu jar/leto. Jedným z vrcholov tejto výstavy bola ikonická slečna Dior šaty, celé vyšívané lupeňmi kvetov v rôznych odtieňoch ružovej a fialovej. Dior dokonale ilustroval dva svety umenia a módy a do týchto funkčných šiat napodobnil Monetovu estetiku. Veľa času trávil na vidieku, kde si kreslil svoje zbierky záhrada v Granville , rovnako ako Monet. Týmto spôsobom on definoval elegantný štýl „Dior“. , pričom do svojich výtvorov zakomponoval farebnú paletu a kvetinové vzory Moneta.

Yves Saint Laurent, Mondrian a De Stijl

Kompozícia s červenou, modrou a žltou farbou od Pieta Mondriana, 1930, cez Kunsthaus Zurich Museum; s Šaty Mondrian od Yves Saint Laurent , zbierka jeseň/zima 1965, cez Met Museum, New York

Mondrian bol jedným z prvých umelcov, ktorí maľovali abstraktné umenie v 20. storočí. Narodil sa v Holandsku v roku 1872 a založil celé umelecké hnutie s názvom Štýl . Cieľom hnutia bolo spojiť moderné umenie a život . Štýl, tiež známy ako neoplasticizmus, bol formou abstraktného umenia, v ktorom sa s použitím iba geometrických princípov a základných farieb, ako je červená, modrá a žltá, kombinovali neutrálne farby (čierna, sivá a biela). Mondrianov inovatívny štýl zo začiatku 20. storočia prinútil módnych návrhárov replikovať tento čistý typ abstraktného umenia. Najlepším príkladom obrazu De Stijl je Zloženie s červenou modrou a žltou .

Francúzsky módny návrhár Yves Saint Laurent ako milovník umenia zakomponoval Mondrianove obrazy do svojich haute couture kreácií. Prvýkrát ho inšpiroval Mondrian, keď čítal knihu o umelcovom živote, ktorú mu dala jeho matka na Vianoce.

Mondrian šaty v Múzeu moderného umenia od Yves Saint Laurent, 1966, cez Khan Academy

Yves Saint Laurent dokonca povedal: „Mondrian je čistota a v maľovaní už ďalej zájsť nemôžeš. Majstrovským dielom dvadsiateho storočia je Mondrian.

Dizajnér ukázal svoje ocenenie Mondriana vo svojej jesennej kolekcii z roku 1965, známej ako Mondrianova zbierka . Inšpirovaný maliarovými geometrickými líniami a výraznými farbami predstavil šesť koktejlových šiat označil jeho ikonický štýl a éra šesťdesiatych rokov všeobecne. Každý z Mondrian šaty sa trochu líšili, ale všetky mali spoločný jednoduchý tvar do A a dĺžku po kolená bez rukávov, ktorá lichotila každému typu postavy.

Elsa Schiaparelli a Salvador Dalí

Tri mladé surrealistické ženy držiace v rukách kože orchestra od Salvadora Dalího ,1936, cez The Dali Museum, St. Petersburg, Florida

Narodil sa v roku 1890 v aristokratickej rodine so sídlom v Ríme. Elsa Schiaparelli čoskoro vyjadrila svoju lásku k svetu módy. Začala rozvíjať svoj revolučný štýl inšpirovaný futurizmom, dadaista , a Surrealizmus . Ako jej kariéra napredovala, ona pripojený so známymi surrealistami a dadaistami ako Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp a Jean Cocteau. Dokonca spolupracovala so španielskym umelcom Salvadorom Dalím. Jeho estetická a surrealistická absurdita urobili z Dalího najslávnejšieho maliara Surrealistické hnutie .

Šaty Slzy od Elsy Schiaparelli a Salvadora Dalího , 1938, cez Victoria and Albert Museum, Londýn

Jeden z najväčších spolupráce v histórii módy bola história Dalího a Elsy Schiaparelliových. Táto róba bola vytvorená spolu s Salvador Dalí , ako súčasť kolekcie Schiaparelliho Circus z leta 1938. Šaty odkazujú na Dalího obraz, na ktorom zobrazuje ženy s roztrhaným mäsom.

Fotografia Salvadora Dalií a Elsy Schiaparelli , c.1949, cez The Dalího Museum

Pre surrealistických umelcov, hľadanie ideálnej ženy bolo odsúdené na neúspech , keďže ideál existoval iba v ich predstavách, a nie v skutočnosti. Dalího zámerom však nebolo zobrazujú ženy realisticky, takže ich telá nie sú vôbec esteticky príjemné. Schiaparelli chcel experimentovať s touto hrou skrývania a odhaľovania tela, čím vytváral ilúziu zraniteľnosti a odhalenia. Šaty s ilúziou slzy bol vyrobený z bledomodrého hodvábneho krepu a potlač navrhol Dalí tak, aby pripomínala tri ženy z jeho obrazu. Slzy odhaľujú ružovú spodnú stranu látky s tmavšou ružovou odhalenou v dierkach.

Módni návrhári a pop-art: Gianni Versace a Andy Warhol

Diptych Marilyn od Andyho Warhola , 1962, cez Tate, Londýn

The Pop Art éra bola pravdepodobne najvplyvnejším obdobím pre módnych návrhárov a umelcov v dejinách umenia. Andy Warhol bol priekopníkom kombinácie pop kultúry a vysokej módy, vďaka čomu sa stal ikonou symbol hnutia Pop Art . V šesťdesiatych rokoch začal Warhol praktizovať svoju charakteristickú techniku ​​známu ako sieťotlač.

Jedným z jeho prvých a nepochybne najznámejších diel bol Diptych Marilyn . Pre toto dielo sa inšpiroval nielen popkultúrou, ale aj dejinami umenia a maliarmi abstraktného expresionizmu. Warhol zachytil dva svety Marily Monroe, verejný život hollywoodskej hviezdy a tragická realita Normy Jeane, ženy, ktorá bojovala s depresiou a závislosťou. Diptych vľavo posilňuje živosť, zatiaľ čo vpravo sa stráca v temnote a nejasnosti. V snahe prezentovať spoločnosť konzumu a materializmu , zobrazoval jednotlivcov skôr ako produkty než ľudské bytosti.

Linda Evangelista v róbe „Warhol Marilyn“ od Gianniho Versaceho , 1991

Taliansky dizajnér Gianni Versace mal a dlhotrvajúce priateľstvo s Andym Warholom. Obom mužom učarovala populárna kultúra. Aby si pripomenul Warhola, Versace mu venoval svoju kolekciu jar/leto 1991. Jedny zo šiat obsahovali Warholovu potlač Marilyn Monroe. Do sukní a maxi šiat zakomponoval pestrofarebné portréty Marilyn a Jamesa Deana, ktoré vznikli v 60. rokoch.