Umenie a móda: 9 slávnych šiat v maľbe, ktoré vylepšili ženský štýl

Portrét Madame X od Johna Singera Sargenta, 1883-84 (vľavo); s Hudobník od Tamary de Lempicka, 1929 (v strede); a Symfónia v bielej farbe č.1: Biele dievča James McNeill Whistler, 1862 (vpravo)

Pre tieto ženy všetko od ich bohatstva, charakteru a politických/spoločenských postojov naznačovalo, kto boli založené na týchto obrazoch. Či už to vedeli alebo nie, ovplyvňovali módne trendy, pobúrili kritikov a používali módu na to, aby sa prezentovali svetu okolo seba. Nižšie je deväť obrazov so slávnymi šatami, ktoré siahajú od Renesancia až po modernú dobu .

Renesančné obrazy so slávnymi šatami

The renesancie bolo obdobím kultúrneho a umeleckého oživenia, as klasicizmus zaznamenal revolučný návrat do európskych spoločností . V tomto období však došlo aj k výrazným zmenám v móde; pozrite sa, ako slávne šaty na obrazoch ovplyvnili módu počas renesancie.

Portrét Arnolfiniho (1434) od Jana Van Eycka

Portrét Arnolfiniho od Jana Van Eycka , 1434, cez Národnú galériu v Londýne

Ján van Eyck s Arnolfini svadobný portrét je základom v štúdiu látky v portrétovaní. Van Eyckova technika nenecháva nič na predstavivosť, pretože jeho prístup k maľovaniu látok vytvára realistický a trojrozmerný zážitok. Smaragdovo zelená jej vlneného odevu a hermelínom podšité rukávy dokazujú stav rodiny, pretože látky na obrázku vyššie si mohli dovoliť len bohatí klienti.

Vlna, hodváb, zamat a kožušina boli v porovnaní s bavlnou alebo ľanom vzácne a drahšie na výrobu a boli symbolom statusu, koľko si človek môže dovoliť kúpiť. Zobrazuje tiež bohatstvo jej manžela, pretože ukazuje, že si mohol dovoliť kúpiť veľa metrov látky, aby vytvoril jej šaty. Jednou z najdiskutovanejších otázok okolo obrazu je, či je zobrazená žena (pravdepodobne Arnolfiniho manželka) tehotná alebo nie. Renesančné sukne boli také plné a ťažké, že si ženy dvíhali sukne, aby sa ľahšie pohybovali.

Baví vás tento článok?

Prihláste sa na odber nášho bezplatného týždenného bulletinuPripojte sa!Načítava...Pripojte sa!Načítava...

Ak chcete aktivovať predplatné, skontrolujte svoju doručenú poštu

Ďakujem!

Veľmi bohaté hodiny vojvodu z Berry April od The Limbourg Brothers , 1412-16, v Musée Condé, Chantilly, cez The Web Gallery of Art, Washington D.C. (vľavo); s Veľmi bohaté hodiny vojvodu z Berry Rajská záhrada od The Bratia limburgovia , 1411-16, v Musée Condé, Chantilly, cez The Web Gallery of Art, Washington D.C. (vpravo)

Pridané zmyselné záhyby jej šiat tiež odhaľujú trend v zobrazovaní žien s zakrivenými stredmi, pretože to ukazuje nádej na počatie detí počas manželstva. Ďalším príkladom sú bratia z Limbourgu Veľmi bohaté hodiny vojvodu z Berry. Na oboch obrázkoch sú zobrazené samičky s oblejším bruškom. Obrázok vľavo zobrazuje svadbu a je porovnateľný s portrétom Arnolfiniho, keďže obe ženy premietajú obraz materstva v očakávaní tehotenstva. Bez toho, aby sme sa na obraz pozerali moderným objektívom, to môžeme vidieť ako záznam toho, čo ženy nosili a čo bolo pre ľudí dôležité odhaliť ostatným.

Barokové a rokokové maľby

The Baroko a rokoko obdobia možno charakterizovať prepracovanou výzdobou, dekadenciou a hravosťou. Tieto trendy sa prejavili nielen v umení, ale aj v móde prostredníctvom zložitých ozdôb a honosných rób. Pozrite sa na niektoré zo slávnych šiat inšpirovaných umeleckými dielami.

Elizabeth Clarke Freake (pani John Freake) a Baby Mary (1674)

Elizabeth Clarke Freake (pani John Freake) a Baby Mary od neznámeho umelca , 1674, Worcester Art Museum

Pozornosť tohto neznámeho umelca na detail a zameranie sa na oblečenie je to, čo robí tento obraz dôležitým záznamom života Puritans z Nového Anglicka . Na tomto obrázku je Elizabeth vyzdobená jemnými látkami a doplnkami Ameriky 17. storočia. Jej biely čipkovaný golier poukazuje na obľúbenú európsku čipku medzi aristokratickými ženami. Zo šiat jej vykúka zlatá vyšívaná zamatová spodnička a jej rukávy sú zdobené stuhami. Zdobia ju šperky z perlového náhrdelníka, zlatého prsteňa a granátového náramku. Tento obraz ponúka jedinečný pohľad do puritánskeho života Alžbety a jej rodiny.

Umelec dokáže spojiť obrazy svojho bohatstva v skromnom prostredí. Obraz jasne demonštruje Elizabethino bohatstvo, keď sa rozhodla nosiť svoj najlepší odev a šperky. Odzrkadľuje aj bohatstvo jej manžela Johna Freakeho, že si mohol dovoliť tento luxus a objednať si tento portrét, ako aj svoj vlastný. Obraz by tiež znamenal ich puritánsky postoj vďačnosti voči Bohu, pretože bez Jeho požehnania by nemohli mať tento luxus.

Swing (1767) od Jean-Honore Fragonarda

Swing od Jean-Honore Fragonarda , 1767, prostredníctvom The Wallace Collection, Londýn

Jean-Honore Fragonard s Swing je ukážkou rokokového štýlu vo francúzskych aristokratických kruhoch. Obraz bol súkromnou zákazkou, kde francúzsky dvoran požiadal Fragonarda, aby vytvoril tento obraz seba a svojej milenky. Hoci bol obraz umiestnený za zatvorenými dverami, odhaľuje luxus, ľahkomyseľnosť a tajný charakter francúzskeho kráľovského dvora.

Pastelové ružové šaty vynikajú medzi sviežou záhradou a sú ústredným bodom tohto kúsku. Fragonard maľuje šaty voľnými ťahmi štetca, ktoré napodobňujú široké sukne a nariasený živôtik jej šiat. Jeho voľné štetce sa zhodujú s jeho námetom tejto idylickej záhradnej scény, ktorá je plná koketných a rozmarných obrazov. So všetkými zovretými korzetmi, ruchmi a uzavretím ženských šiat, jediné miesto, ktoré žiadne nemalo, bol spodný lem dámskej sukne. Fragonard to využil vo svoj prospech, keď zobrazil ženu, ako sa hojdá na dokonalom mieste, aby jej milenec mohol zdvihnúť sukňu. Súkromná komisia umožnila Fragonardovi experimentovať s jeho námetom a umožnila divákom odhaliť, aký by bol život najbohatších ľudí na súde.

Francúzske šaty, róba z Francúzska 18. storočia , 1770 cez Metropolitné múzeum umenia v New Yorku

Jeho maľba tiež ukazuje trendy zasadené na francúzskom dvore pre módu. Rokoko prekročilo módu, umenie a architektúru a vytvorilo niečo, čo je jedinečne francúzske. Rokoková móda zahŕňala najluxusnejšie látky vrátane hodvábu pastelových farieb, zamatov, čipiek a kvetinových vzorov. Zahŕňalo to aj nadmerné množstvo mašlí, šperkov, volánov a dekoratívnych ozdôb, aby sa vytvoril vzhľad, ktorý krúti hlavou na dvore. Štýl definoval rozdiel medzi chudobnými a bohatými, keďže aristokracia si mohla dovoliť luxus jemných látok a ozdôb. Pre ženy v takejto rokokovej paráde je obraz stelesnením francúzskeho kráľovského dvora pred revolúciou.

Slávne šaty na maľbách 19. storočia

Od 19. storočia nastal umelecký posun neoklasicizmus do raného modernizmu, ustupujúci štýlom a myšlienkovým prúdom. V tomto storočí došlo aj k zmenám v móde; čítajte ďalej a zistite, ako maľby ovplyvnili predstavenie slávnych šiat a štýlov, ktoré boli výrazne modernejšie ako predtým.

Symfónia v bielej farbe č.1: Biele dievča (1862) od Jamesa McNeilla Whistlera

Symfónia v bielej farbe č.1: Biele dievča od Jamesa McNeilla Whistlera , 1862, cez The National Gallery of Art, Washington D.C.

Umenie pre umenie sa spojilo s Symfónia v bielej farbe č.1: Biele dievča ako James McNeill Whistler chcel, aby mal obraz duchovný význam. Kritici to však takto nevideli, pretože zobrazenou ženou je Joanna Hiffernanová (v tom čase jeho milenka). A čo je dôležitejšie, bol to práve odev, ktorý si Whistler vybral na maľovanie Hiffernana, ktorý uzavrel dohodu a umožnil týmto šatám vyniknúť medzi jeho ostatnými obrazmi.

Tento portrét bol v tom čase škandalózny kvôli Whistlerovmu zobrazeniu ženských čisto bielych šiat. Počas 19. storočia ženský odev často zahŕňal a krinolínová klietka spodná sukňa vyrobená z ocele, aby ich sukne držali nad vodou. Ženy tiež nosili korzety medzi mnohými ďalšími spodnými odevmi, aby si mohli vytvoriť širšie sukne.

Žena v bielom je presným opakom vtedajšieho štandardu slušného obliekania. Jej čajový plášť je odev, ktorý by mohol vidieť iba jej manžel (alebo milenec), pretože ho možno ľahko vyzliecť. Boli to denné šaty, ktoré sa nosili v súkromí a stali sa populárnejšími až začiatkom 20. storočia na každodenné nosenie.

Pre Whistlera mala byť jeho múza súčasťou celkovej scény, ktorá lahodila oku. Hiffernanovú vykreslil tak, ako ju videl, a pre divákov bol obraz v tom čase mätúci a trochu neslušný.

Portrét slečny Lloydovej (1876) a Júl: Ukážka portrétu (1878) od Jamesa Tissota

Portrét slečny Lloydovej od Jamesa Tissota , 1876, cez The Tate, Londýn (vľavo); s Júl: Ukážka portrétu od Jamesa Tissota , 1878, cez Cleveland Museum of Art (vpravo)

James Tissot vytvoril množstvo obrazov zobrazujúcich ženskú módu koncom 19. storočia. Mal náskok pred európskou módou a je známy tým, že svoje predmety maľoval najnovšími módnymi trendmi. Dámska móda sa začala meniť medzi mladými dámami v Paríži a Londýne koncom 19. storočia. Široké a ťažké sukne ich viktoriánskych predchodcov boli nahradené užšími sukňami a plnými sukňami vzadu. To, čo robí tieto konkrétne šaty výnimočnými, je to, že ich Tissot neustále používa vo svojich obrazoch. Tissot ho používa v ďalšom zo svojich obrazov Galéria HMS Kalkata (Portsmouth) a vo všetkých troch ho používa v úplne iných súvislostiach.

Slečna Lloydová vľavo má na sebe šaty tak, ako by sa nosili v spoločnosti. Tieto šaty by boli v tom čase v móde, pretože jej šaty zvýrazňujú úzky pás a postavu presýpacích hodín. Rovné línie jej šiat tiež ukazujú strnulosť jej pózy na rozdiel od portrétu vpravo.

Vpravo je portrét Kathleen Newtonovej (v tom čase jeho spoločníčky) videný v intímnom prostredí počas letných mesiacov. V porovnaní s prvým portrétom všetko zo spôsobu, akým stvárnil šaty, vyžaruje malátnosť a zvodnosť. Newtonová je videná ležať na gauči a jej šaty vyzerajú rozstrapatené a rozopnuté. Sukne jej voľne splývajú na gauči, rozopínajú sa rôzne mašličky a spony.

Obe ženy majú svoje vlastné čaro a tajomstvo, ktoré ich obklopuje. Samotné šaty znamenajú rozdiely v populárnej kultúre svojej doby. Jeden je tradičný a konvenčný, zatiaľ čo druhý je nehanebne intímny, no pre divákov škandalózny počas 19. storočia.

Portrét Madame X (1883) od Johna Singera Sargenta

Portrét Madame X od Johna Singera Sargenta , 1883-84, cez The Metropolitan Museum of Art, New York

Kto stojí pred Pani X je zaskočená výškou a žiarivosťou jej portrétu. John Singer Sargent vytvoril obraz ženy, ktorý, hoci to bolo pre jeho dobu neprijateľné, sa stal jedným z jeho najznámejších a najuznávanejších obrazov. Ide o portrét Madame Pierre Gautreau, americkej krásky zmiešanej vo francúzskej vysokej spoločnosti. Vyvolalo to taký škandál, že sám John Singer Sargent musel z Paríža odísť do Londýna.

Kým šaty podobné jej by sa nosili ako kostýmy alebo na párty, v bežnej spoločnosti sa nenosili. Existujú určité detaily, vďaka ktorým sú tieto šaty také škandalózne. Jej korzet je extrémne nasmerovaný smerom k dolnej polovici brucha. Ostrý hlboký výstrih do V a korálkové ramienka jej sotva zakrývajú ramená a odhaľujú to, čo sa považovalo za intímne partie ženy, a preto je nevhodné predvádzať na verejnosti.

Večerná róba navrhol Hoschedé Rebours 1885 cez Metropolitné múzeum umenia v New Yorku

Po tom, čo Sargent odovzdal obraz do parížskeho salónu v roku 1884, vyvolalo to pobúrenie medzi kritikmi a divákmi. Vyvolalo to kontroverziu, keď bola vydatá žena z jej triedy verejne vnímaná takýmto provokatívnym spôsobom. Pre divákov v Salóne to vyzeralo, akoby mala na sebe skôr spodnú bielizeň ako skutočné šaty. Maľba poškodila pani. Gautreauova povesť ľudí považovala jej portrét za odraz chlípnej osobnosti.

Pôvodne to nemal byť doslovný preklad Mme. Gautreauova postava. Šaty a jej držanie tela vybral sám Sargent a rekvizity pripomínajú starodávne rímske sochy narážajúc na Diana, bohyňa lovu a mesiaca . Tento výtvor by poškodil obe ich povesť. Sargent nakoniec odstránil jej meno z portrétu a premenoval ho Pani X .

Slávne šaty na maľbách 20. storočia

Umenie v 20. storočí zameraná na abstrakciu a výraz, prechádzajúca výraznými zmenami s novými štýlmi a témami. To prinieslo aj skúmanie nových foriem a syntézy módy a umenia . Tu sú slávne šaty videné na obrazoch počas inovatívneho storočia.

Portrét Adele Bloch-Bauerovej I (1907) Gustave Klimt

Adele Bloch-Bauer I od Gustava Klimta , 1907, cez New Gallery, New York

Zlaté šaty Adele Bloch-Bauer ukazujú Gustav Klimt stvárnenie ženy neobmedzovanej okolitým svetom. V porovnaní s inými portrétmi žien z vysokej spoločnosti svojej doby tento portrét medzi ostatnými vyniká. Klimt namiesto toho, aby maľoval ženu z vyššej triedy, ktorá sa povaľovala v záhradách alebo čítala na pohovkách, premení Adele na postavu z iného sveta. Jej šaty sú víriace sa postavy plné trojuholníkov, očí, obdĺžnikov a ikonografie. Nie sú žiadne známky korzetov s rovným šnurovaním alebo vrstiev oblečenia. Namiesto toho je príkladom bez zábran, keď sa vznáša vo svojom svete zlata. Secesia obsahuje témy prírody a mýtických obrazov. Súvisí to aj s bohémskou módou, ktorú Klimt sám nosil a používal na rôznych iných obrazoch.

Emilie Flöge a Gustav Klimt v záhrade vily Oleander v meste Kammer pri jazere Attersee , 1908, cez The Leopold Museum, Viedeň

Klimt často maľoval návrhy vytvorené módnym návrhárom Emilie Flögeová . Vo svete módy nie je taká známa ako jej súčasníci či predchodkyne, no pri tvorbe módy pre ženy svojej doby urobila zvučné kroky. Občas to bolo spoločné úsilie, keď Klimt použil jej slávne šaty aj v mnohých svojich ďalších obrazoch. Flögeho šaty majú voľné siluety a široké rukávy, ktoré nezahŕňali korzety ani iné obmedzujúce spodné prádlo. Diela Klimta a Flögeho napredovali v bohémskom spôsobe života s nejasnými hranicami medzi tradičným a nekonvenčným, ako je vidieť na portréte Adele Bloch-Bauerovej.

Hudobník (1929) By Tamara Lempicka

Hudobník od Tamary de Lempickej , 1929, prostredníctvom Christie’s

Tamara Lempicka vytvoril portréty, ktoré skúmali ženskosť a nezávislosť počas 20. rokov 20. storočia. Maliarka v štýle art deco sa stala známou svojimi portrétmi celebrít, ktoré skúmali štylizovanú a vyleštenú podobu kubizmus ktorá sa stala jej obchodnou značkou. Ira Perrot (blízky priateľ a milovník Lempickej) je považovaný za doslovný prejav hudby v Hudobník . To, čím obraz vyniká, je jej stvárnenie modrých šiat. Lempická technika vrhania ostrých tieňov s jej sýtou farebnou paletou dáva šatám pohyb, takže sa zdá, že sa vznáša vo vzduchu. Krátky spodný lem šiat a kaskádové záhyby stále pripomínajú móda 20. rokov 20. storočia , ktorý bol prelomový v ženskej móde. Ženy nosili slávne šaty, ktoré ukazovali ich nohy a ruky, pričom mali na sebe plisované sukne, ktoré uľahčovali tanec.

Lempička sa inšpiroval a študoval diela majstrov renesancie a použil podobné námety s moderným prístupom. Tradične modrú farbu môžeme vidieť na rúchach Panny Márie v stredovekých alebo renesančných maľbách. Ultramarínová modrá bola vzácna a na významné maľby sa používala s mierou. Tu sa Lempicka nebojí použiť farbu ako dominantný ústredný bod portrétu. Práve táto modrá spolu s výnimočne silným použitím hladkej farby umocňuje žiarivosť a pôvab jej splývavých šiat.

Dve Fridy (1939) Frida Kahlo

Dve Fridy od Fridy Kahlo , 1939, v Múzeu moderného umenia v Mexico City prostredníctvom Google Arts and Culture

Farebné a ručne tkané textílie Mexika sú späté s odkazom Frida Kahlo . Tieto odevy prijala ako súčasť svojho dedičstva a je vidieť, ako ich nosí na mnohých autoportrétoch a fotografiách. Slávne šaty zobrazené vo Fride Kahlo Dve Fridy symbolizujú jej spojenie s oboma stranami jej európskeho a mexického dedičstva.

Frida vľavo odráža jej výchovu v rodine vyššej strednej triedy. Jej otec bol pôvodom z Nemecka a jej detský domáci život obsahoval západné zvyky. Biela čipka jej šiat je symbolom štýlu populárneho v európskej móde. Táto westernizovaná verzia je v kontraste s túžbou správnej Fridy prijať svoje mexické dedičstvo nosením tradičných tehuanských šiat. Toto oblečenie je niečo, čo podporil jej manžel Diego Rivera , najmä v ich boji za zmenu vo svojej krajine. Ukázala jej hrdosť na nosenie domorodých a tradičných odevov z Mexika.

Oblečenie Kahlo je dôležitým aspektom jej života a práce. Po tom, čo ako dieťa dostala detskú obrnu, mala jednu nohu kratšiu ako druhú. Farebné sukne sa pre ňu stali spôsobom, ako skryť nohu spôsobom, ktorý ju chráni pred skúmaním. Jej šatník zahŕňal tehuanské šaty, blúzky huipil, rebozo, kvetované pokrývky hlavy a starožitné šperky. Tieto odevy je dôležité si všimnúť pri pohľade na diela Kahlo, pretože sú ilustráciou jej lásky, bolesti a utrpenia, ktoré zahŕňa do svojej práce.