Čo je minimalizmus? Recenzia štýlu vizuálneho umenia

Socha z roku 2000 od Waltera DeMaria , 1992, prostredníctvom LACMA

Minimalizmus zmenil moderné umenie tak, ako ho dnes poznáme. Jeho sochárski predchodcovia Donald Judd, Robert Morris a Sol LeWitt, ktorý sa od 60. rokov z veľkej časti zameriava na hudbu a estetiku, naštartovali desaťročia trvajúce hľadanie po kreatívnom oslobodení. Tento historický prehľad podrobne opisuje jeho premenu v priebehu vekov.

Kto inšpiroval minimalizmus?

č. VI / Skladba č. II od Pieta Mondriana , 1920, cez Tate, Londýn

Redukčné tendencie modernizmu položili základy minimalizmu dávno predtým, ako sa tento termín zhmotnil. Hoci New York City nakoniec získal popularitu tohto žánru v polovici 20. storočia, jeho počiatky sa datujú už v roku 1915, keď avantgardný umelec Kasimir Malevich namaľoval svoj vzpurný Čierne námestie . Spolu s Vladimirom Tatlinom sa ruskí lídri špecificky zaujímali o spojenie vznikajúcej technológie s každodenným životom, zostavovaním bežných predmetov na oholenie umenia do jeho najpravdivejšej podoby. Obrazy už neslúžili ako objektívne zrkadlá trojrozmernej spoločnosti, ale skôr sebareferenčné objekty, ktoré skúmali spôsoby, ako môže povrch prekonať svoje vlastné fyzické obmedzenia. Iní priekopníci ako holandský abstrakcionista Piet Mondrian, ktorého jednoduché, ale silné maľby osvetľovali plochosť plátna, pokračovali v tejto praxi počas 20. rokov 20. storočia. Rané abstraktné kompozície ako on č. VI (1920) odhaľujú túto generačnú túžbu eliminovať figuratívne techniky, redukujúc realitu na sériu geometrických foriem.

Pocta Námestiu od Josefa Albersa , 1959, cez The Guggenheim Museum, New York

Títo predchodcovia katalyzovali objektívne prehodnotenie toho, čo to znamená byť umelcom. To možno do značnej miery pripísať uznaniu v 20. rokoch 20. storočia Marcel Duchamp, ktorí sa križovali proti myšlienke, že umenie by malo byť motivované len emocionálne. Veril, že každé revolučné umenie by malo prinútiť divákov, aby ďalej skúmali systémy moci, a tak odhalili hlbší význam. V roku 1937 preto-minimalistický sochár Constantin Brancusi otestoval túto myšlienku tým, že cestoval do Rumunska a postavil svoju 98 stôp vysokú Nekonečný stĺpec , kosoštvorcová veža vzdávajúca hold padlým miestnym vojakom. Maliar Josef Albers potom upevnil minimalistické myšlienky v modernom umeleckom vzdelávaní zdôrazňovaním iluzívnej hĺbky obrazu počas celého svojho pôsobenia na Black Mountain College. Jeho Homage To The Square (1950) ilustruje tieto kľúčové princípy prostredníctvom kontrastných farieb, tvarov a tieňov, ktoré sú zakotvené v empirických štúdiách dizajnu. Po vzore maliari z Color Field Ad Reinhardt a Mark Rothko čoskoro presadil ďalší nový vizuálny štýl s dôrazom na estetickú jednoduchosť a pigmentované palety.

Kedy začal minimalizmus?

Pohľad na inštaláciu 16 Američanov podľa Soichi Sunami , 1959, cez MoMA, New York

Pôvodní minimalisti zamýšľali vytvoriť ešte doslovnejšie zobrazenie sveta okolo nich. Veriace umenie by malo odkazovať len na seba, mnohí prešli od obrazovej maľby k sochárstvu alebo tlačiarni, aby zlepšili svoje techniky. Frank Stella, všeobecne považovaný za prvého amerického minimalistu, vtrhol na newyorskú scénu s búrlivým rachotom v roku 1959 vďaka svojej slávnej Čierne maľby. Predstavené na seminári MoMA 16 Američanov výstava, táto séria pruhovaných plátien natiahnutých na zubatých drevených rámoch, stavajúcich vedľa seba precedensy z Willem de Kooning a Franz Kline. Abstrakcia Stelly, ktorá neobsahovala žiadnu ľudskú stopu, tiež prevzala vlastnosti daného priestoru, pričom zostala úplne plochá, mŕtva a odvážna, bez subjektívneho rozhodovania. Tieto základné čierne maľby zabezpečil nedbale, ale presvedčivo, vyznávajúc ich objektívnosť hrdo. Jeho ikonický rok 1964 citovať neskôr sa vyvinul do teoretickej mantry pre minimalistov na celom svete: čo vidíš, to vidíš.

Baví vás tento článok?

Prihláste sa na odber nášho bezplatného týždenného bulletinuPripojte sa!Načítava...Pripojte sa!Načítava...

Ak chcete aktivovať predplatné, skontrolujte svoju doručenú poštu

Ďakujem!

Výstava Green Gallery z roku 1964

Bez názvu podľa Donald Judd , 1963, prostredníctvom The Judd Foundation, New York

V priebehu roka v newyorskej Green Gallery rozkvitla vizionárska kreatívna zostava. Kurátor Richard Bellamy koordinoval kľúčovú sériu výstav Nová práca na predvádzanie nových hlasov v rôznych médiách. Robert Morris, vyrobený z komerčnej preglejky, sa oháňal svojou Bez názvu (rohový diel) (1964), orámovanie priestoru z nového uhla pohľadu. medzitým A Flavin odhalil svoje legendárne fluorescenčné situácie, na ktoré sa dokázalo, že každodenné materiály dokážu výrečne infiltrovať vysokú spoločnosť. Flavin's zlatá, ružová a červená, červená (1964), vôbec prvý podlahový kúsok Minimalistu, ktorý stál medzi ostatnými vystavenými elektrickými umeleckými dielami. Zmätok Donald Judd tu necelý rok predtým svojou údernosťou debutoval aj ako seriózny sochár Bez názvu (1963) , ktorá sa počas svojej krátkej obsadenosti predstaví celkovo v piatich predstaveniach. Napriek tomu, že sa v Greene prelínajú, žiadny z týchto priekopníkov sa v skutočnosti neoznačil za minimalistov. Poprední vedci sa zaviazali navrhnúť nový slovník na opis tohto monumentálneho hnutia.

Eseje publikované o minimalizme

Jedna a tri stoličky podľa Jozef Košuth , 1965, cez MoMA, New York

Kritické eseje publikované v polovici 60. rokov nakoniec vytvorili prevládajúcu minimalistickú paradigmu. V roku 1965 vydal Donald Judd svoje pojednanie Špecifické objekty , v ktorej vlastne odmietal denomináciu minimalizmus. Namiesto toho tvrdil, že žáner by mal byť uznaný ako špecifické predmety, teda umelecká kategória, ktorú nemožno ľahko klasifikovať ako iba maľbu alebo sochu. Minimalisti zvyčajne spájali tieto dve médiá šikmo, čím prevracali tradičné európske konvencie v prospech nich fenomenológie . (Táto filozofická štúdia vážila subjektívnu skúsenosť nad objektívnou pravdou a podčiarkla, ako sa reakcie na umelecké dielo líšia v rôznych kontextoch.) Väčšina sa tiež zamerala na čo najtesnejšiu replikáciu trojrozmerných objektov, vykorenenie autorstva prostredníctvom priemyselných nástrojov a objemných, nekonformných konfigurácií. Kvôli tomuto zvýšenému záujmu o koncepciu na rozdiel od procedúry sa minimalizmus objavil aj súbežne s Konceptuálne umenie. Míľniky ako Joseph Kosuth Jedna a tri stoličky (1965) vyhlásil otázku desaťročia : je to umenie, predmet alebo ani jedno?

Primárne štruktúry V Židovskom múzeu

Inštalačný pohľad na primárne štruktúry: Mladší americkí a britskí sochári , 1966 cez Židovské múzeum v New Yorku

Minimalizmus zažil svoj rozkvet v roku 1966. V tom roku hostilo Židovské múzeum Primárne štruktúry, senzácia viac ako 40 prominentných umelcov. Výstava, ktorá je usporiadaná do desiatich galerijných priestorov oddelených podchodom, zaznamenala od začiatku svojho pôsobenia aj pozitívny mediálny úspech. Starostlivo upravené steny predstavili nedávne výstupy relatívne významného Tonyho Smitha spolu so Solom LeWittom, ktorý odhalil svoje Bez názvu (1966) , drevená podlahová socha prorokujúca jeho neskoršie dielo. Primárne štruktúry Do centra pozornosti sa dostali aj začínajúci kreatívci ako Anne Truitt Morská záhrada (1964) , neskôr známa svojimi rozsiahlymi inštaláciami. Obrazy na vrchole minimalizmu a farebného poľa, ako napríklad Ellsworth Kelly Modrý disk (1963), sa tiež objavil. tým Primárne štruktúry navždy premenil myšlienku galerijného priestoru a postavil do popredia súdržný koncept, a nie skúmanie jeho jednotlivých častí. Ideálny umelec už len netvoril. Teraz sa títo snílci pustili do dizajnu.

Systémová maľba V Guggenheime

Lawrence Alloway inštalácia systémového náteru , 1966 cez Guggenheimovo múzeum v New Yorku

Iné inštitúcie rýchlo napodobňovali túto tradíciu. V septembri 1966 Guggenheim oslavoval Systémová maľba , splynutie amerických umeleckých foriem ako Hard-Edge a tvarované plátna. Pri tejto prezentácii najlepšieho talentu New Yorku sa uprednostnila geometrická abstrakcia, hoci v katalógu chýbal popis minimalizmu. Nech bolo toto rozhodnutie akokoľvek účelné, umelci na pohľad vyzerali nepochybne minimalisticky. Neila Williamsa Sartorial Habits of Billy Bo (1966) visel kolmo na Franka Stelly Wolfeboro IV (1966) vo High Gallery, dva skvosty medzi vzájomne závislou zostavou. Západné výstavné priestory sa v tomto čase tiež všeobecne presúvali, pričom klasické múzeá rozšírili svoje povinnosti. umelecké sály, Nemecký pohľad na súčasný galerijný priestor sa začal objavovať po celej Európe, organizovaný na základe rotácie. Družstvá ako New York’s Artists Space neustále poskytovali inovátorom platformy na vyjadrenie jedinečných hypotéz. Výsledné recenzie boli nadšené, čím sa zvýšilo vnímanie verejnosti o tom, na čo sa môže minimalizmus skutočne zmeniť.

Posun k post-minimalizmu

Bez názvu (L-Beams) podľa Robert Morris , 1965, cez The Whitney Museum, New York

Koncom 60-tych rokov sa minimalizmus rozchádzal do rôznych teórií. Robert Morris viedol cestu s Poznámky k sochárstvu 1-3 , jeho eseje z roku 1966 označujúce formálny rámec, o ktorý sa rovesníci môžu usilovať. Najmä zhodnotil Gestalt psychológia, ktorý predpokladá usporiadaný celok je väčší ako súčet jeho zložiek. Morris plne vyjadril túto implikáciu zdôraznením častí spojených dohromady [aby] vytvorili maximálnu odolnosť voči oddeleniu vnímania, nevyžadujúc žiadne pravidelné jednotky alebo symetrické intervaly. Testovaním tohto predpokladu už skôr aktualizoval svoju doteraz najvýznamnejšiu sochu, (Bez názvu) (L-Beams). Tri identické mnohosteny v tvare písmena L vyvážené v rôznych polohách, navzájom závislé, pričom klamú divákov, aby vnímali rôzne veľkosti. (Zakaždým to malo inú zostavu.) Neskôr tiež predpokladal, že usporiadanie častí je doslovným aspektom fyzickej existencie veci. Táto zvýšená príťažlivosť k materiálom bez kompromisov pripravila pôdu pre to, čo sa neskôr nazýva post-minimalizmus.

Pochovaná kocka obsahujúca dôležitý, ale malý objekt podľa Sol LeWitt , 1968, cez The No Show Museum, Zürich

Zatiaľ čo minimalizmus prekvital do ďalšej fázy, jeho učeníci odhalili jeho korene. Sol LeWitt posunul Morrisov model ďalej v roku 1967, keď dal do obehu svoju esej Odseky o konceptuálnom umení. Väčšina ľudí ho považuje za oficiálny manifest hnutia a potvrdil, že to, ako umelecké dielo vyzerá, nie je príliš dôležité. LeWitt skôr veril, že bez ohľadu na to, akú podobu môže mať nakoniec, musí to začať myšlienkou, čím vyhlasuje, že ide o proces koncepcie a realizácie, o ktorý sa umelec zaujíma. Tieto princípy ho sprevádzali počas celej jeho významnej štyridsaťročnej kariéry, avšak v roku 1968 tvrdil, že minimalizmus úplne opustil. Na rozlúčku potom zložil Pochovaná kocka obsahujúca dôležitý, ale malý objekt , doslova zakopať kocku v miestnej záhrade. Dnes z tejto efemérnej udalosti zostali len fotografie, ktoré ohlasujú zánik minulej epochy. LeWitt to pokrstil smrťou postoja autora.

Nová generácia post-minimalistov

Špirálové mólo podľa Robert Smithson , 1970, prostredníctvom The Holt Smithson Foundation, Santa Fe

Začiatkom 70. rokov sa minimalizmus rozvinul do niekoľkých samostatných umeleckých odnoží. Predkovia Judd a Morris inšpirovali umelca Process Richard Serra, ktorých site-specific sochárstvo Shift (1972) demonštruje post-minimalistickú zvedavosť s miešaním vonkajších a vnútorných konvencií. Hoci bol jeho vôbec prvým vpádom do divočiny, nevynašiel úplne koleso. Zostavil krajan Robert Smithson Špirálové mólo o dva roky skôr špirálovitá štruktúra vyrobená zo šiestich tisíc ton čiernych hornín. Do rozbehnutého vlaku skočili aj iní pozemkoví umelci, ako napríklad Walter De Maria. Medzitým rodiaci sa Bruce Nauman vzdal hold Flavinovi tým, že sa so svojím neónom zapojil do vonkajších svetelných inštalácií La Pitch (1972) . Nie všetci kritici sa však radovali z tohto kreatívneho výstrelku. Historik Michael Fried napísal ostrú analýzu pre Art Forum koncom 60. rokov 20. storočia , obviňuje minimalistov, že presadzujú skôr ideológiu ako umenie. Fried uznával jeho význam, no zároveň sa vyhýbal prirodzenej teatrálnosti minimalizmu. Na obzore svitlo nevyhnutné zúčtovanie.

Feministická revolúcia v umení

Sami sme bezmocní Spoločne sme silní od Pozri Red Women’s Workshop , 1976, cez The Victoria and Albert Museum v Londýne

Čoskoro vznikla rebélia počas roku 1974. Propagácia výstavy na Galéria Lea Castelliho nahý Robert Morris nafúkol hruď pokrytú zlatými reťazami, fotografoval nasadenie prilby z nacistickej éry. Demonštranti, ktorí sa predtým zúčastnili na Hnutí za občianske práva, sa oprávnene rozčuľovali nad týmto predpojatým portrétom a žiadali, aby bol obrázok stiahnutý. Je pozoruhodné, že veľa odporcov boli ženy, ktoré sa potom zamerali na širšiu otázku rodovej a rasovej rovnosti. To, čo následne nasledovalo, možno opísať len ako fenomenálny dominový efekt, ktorý prevracia každý kút súčasného priemyslu. Umelkyne, ktoré sa pripojili k druhej vlne feminizmu v USA vyšiel do ulíc do demonštračných galérií resp múzeí verí, že podporuje nespravodlivé praktiky. Čoskoro čisto ženské mastheady zakladali časopisy ako napr herézy, a dizertačné práce ako Linda Nochlin Prečo neexistovali žiadne skvelé ženské umelkyne obehli zemeguľu. Feministické letáky, ktoré spoločne vyhlasujú, že sme silní, vykreslili budúcnosť bohatú na rozmanitosť.

Večera podľa Judy Chicago , 1974, cez The Brooklyn Museum

Onedlho sa táto feministická statočnosť prejavila v umení. Vanguards viedli kampaň proti post-minimalistickému poli, v ktorom dominujú muži, s cieľom zosadiť z trónu moc nerovnováhy a brutality. Judy Chicago bola kapitánkou tejto stíhacej jazdy The Dinner Party (1974) , keramická plastika znázorňujúca slávnostnú hostinu. Zlaté kalichy a porcelán maľovaný porcelánom tu ležia vedľa prestierania reprezentujúcich prominentné ženy z histórie, čím sa mení účel stereotypnej domácej sféry. (Chicago nastavilo Workshop feministického štúdia a Ženská budova Ručné, remeselné a symbolické kompozície tiež vyrástli z túžby rozvrátiť status quo. Lynda Benglis súčasne experimentovala s nalievaním živice na výrobu Jedzte mäso (1975) , zatiaľ čo Eva Hesseová dosiahli podobnú návratnosť prostredníctvom latexu, sklolaminátu a plastu. Nancy Graves mala vo svojej váženej sérii kúsky zvieracej kože a kostí Ťavy (1968) a Out Of Fosils (1977), sochy také živé, že sú takmer neuveriteľné. Zvýšené úsilie o dekonštrukciu minimalistického monolitu sa presadilo počas nasledujúcich desaťročí.

Minimalizmus v neskorších rokoch

Bez názvu podľa Donald Judd , 1991, cez MoMA, New York

Napriek tomu prvé minimalistky úplne nespadli z radaru. Judd pracoval až do svojej smrti v roku 1994 a zväčšil svoje používanie nekonvenčných nástrojov na hliník aj smalt. In Bez názvu (1980) , regeneroval predchádzajúci motív stohu pomocou ocele, hliníka a plexiskla, pričom sa starostlivo venoval každému detailu. Potom Judd usporiadal päť farebných stĺpov vo svojej smaltovanej podlahovej soche Bez názvu (1991), zahladzovanie stôp kompozičného ohniska. Nainštalovaný Walter De Maria Socha z roku 2000 o rok neskôr v Zürichu, umiestnením dvetisíc polygonálnych sadrových tyčí cez Kunsthaus. LeWitt sa potom obrátil na kreslenie kresieb ako Nákres steny #1268 (2005), vykreslený priamo na stene galérie, aby pripomínal sochu. Hoci Morris v 70. rokoch zmenil figurálnu tvorbu, nevyhnutne sa vrátil k sochárstvu Bronzová brána (2005), oceľový oblúk cor-ten rozdeľujúci záhradný altánok v Taliansku. Pripomenul si jeden posledný šou v Galérii Lea Castelliho pred smrťou v roku 2018.

Minimalizmus vo vizuálnom umení dnes

Nákres steny #1268 od Sol LeWitt , 2005, prostredníctvom The Albright-Knox Art Gallery, Buffalo

Minimalizmus sa dnes najčastejšie používa ako hovorové slovo na označenie jednoduchosti. Dokonalé účinky tohto žánru siahajú od domácich dekorácií až po automobily, filmovú tvorbu a dokonca aj písanie. V umeleckej sfére však minimalizmus nepopierateľne vyvoláva spomienky na radikálny čas v dejinách ľudstva, boj vpred za slobodu, s ktorým mnohí bojujú aj dnes. Akokoľvek neúmyselné to mohlo byť, ohlásilo to demokratickejšiu umeleckú éru, v ktorej si ženy, farební ľudia a iné marginalizované skupiny mohli skutočne dovoliť miesto pri stole. Minimalizmus tiež prelomil bariéry medzi typickými médiami a súčasne spôsobil revolúciu v zážitku umelca aj diváka. Jeho nástupcovia tak účinne rozložili povojnovú americkú umeleckú hierarchiu, ktorej kedysi velil vplyvný kritik. Klement Greenberg. Tieto dôsledky nemožno nikdy zvrátiť. Ale pre tých renegátskych minimalistov, ktorí sa snažili o počiatočnú vzburu počas 60. rokov, je to možno presne toto.