Konceptuálne umenie: Vysvetlenie revolučného hnutia

Jedna a tri stoličky od Josepha Kosutha , 1965, MoMA

Pôvodne pochádzajúce z minimalizmus Konceptuálne umenie sa stalo súhrnným pojmom pre celý ďalší vývoj tendencií v abstraktnom umení, ktoré zdôrazňovali myšlienku diela. Rozprestierajúci sa naprieč médiá, štýly a časové obdobia Konceptuálne umenie bolo revolúciou, ktorá spochybnila modernistické predstavy o „umení“. Prečítajte si zhrnutie hnutia a jeho kultúrneho vplyvu.

Konceptuálne umenie: Spochybňovanie samotného umenia

Pracovné kresby a iné viditeľné veci na papieri, ktoré sa nemusia považovať za umenie Výstava Mela Bochnera, 1966, School of Visual Arts, New York

Prvá výstava Mela Bochnera Pracovné kresby a iné viditeľné veci na papieri, ktoré sa nemusia považovať za umenie predstavenie rôznych umeleckých kníh v newyorskej galérii je kľúčovou udalosťou v histórii konceptuálneho umenia. Nakoniec to bol so svojou esejou americký konceptuálny umelec Sol Lewitt Odseky o pojmovom umení ktorá vydláždila cestu konceptuálnemu umeniu ako akceptovanej novej umeleckej forme. Vo svojej slávnej eseji publikovanej v Artforum v júni 1967 Sol Lewitt napísal:

Keď umelec používa konceptuálnu formu umenia, znamená to, že všetko plánovanie a rozhodnutia sa robia vopred a realizácia je povrchná záležitosť. Myšlienka sa stáva strojom, ktorý robí umenie.

Okrem toho Lewitt definuje konceptuálne umenie ako neteoretické a neilustratívne teórií, ale ako intuitívne, zapojené do všetkých typov mentálnych procesov a ako bezúčelné. Konceptuálne umenie často spochybňuje samotnú povahu umenia. Vo svojej definícii konceptuálneho umenia umelec Joseph Kosuth v roku 1969 definuje umenie ako tautológiu a vysvetľuje: Jediným nárokom umenia je umenie. Umenie je definícia umenia. (citát z Umenie po filozofii, 1969) Joseph Kosuth sám reflektoval umenie ako tautológiu v mnohých svojich umeleckých dielach.

Hodiny (jedna a päť), Anglická/latinská verzia od Josepha Kosutha , 1965, Tate

S jeho sériou Umenie ako nápad ako nápad a umelecké diela ako napr Jedna a tri stoličky (1965) alebo Hodiny (jedna a päť) Výstavná verzia 1965, Kosuth uvažuje o rôznych kódoch pre jednu stoličku: vizuálny kód, verbálny kód a kód v jazyku predmetov, teda stolička z dreva, ako je vysvetlené v popise kolekcia MoMA. Pre Kosutha možno hodnotu umelca vážiť podľa toho, ako veľmi spochybňovali povahu umenia (citát z Umenie po filozofii, 1969). Umelcov citát ukazuje: Konceptuálne umenie nebolo len novou radikálnou formou umenia, ale aj opačným chápaním ako Clement Greenberg v tom čase v USA veľmi prominentný pohľad na moderné umenie.

Marcel Duchamp, hotové a konceptuálne umenie

Aj keď konceptuálne umenie väčšinou súvisí s obdobím 60. a 70. rokov 20. storočia, myšlienka, ktorá sa za ním skrýva, siaha až k umeniu Marcela Duchampa, a teda k začiatok 20thstoročí . Vo svojom texte Umenie po filozofii, Joseph Kosuth opisuje Marcela Duchampa ako umelca, ktorý ako prvý nastolil otázku o funkcii umenia. Píše: Udalosť, ktorá umožnila pochopiť, že je možné ‚hovoriť iným jazykom‘ a stále dávať zmysel v umení, bola prvá bez pomoci Marcela Duchampa. Pripravené .

Fontána od Marcela Duchampa, 1917 (replika 1964), Tate

V dnešnej dobe Marcel Duchamp je často označovaný za predchodcu konceptuálneho umenia a jeho readymade Fontána z roku 1917 sa často uvádza ako prvé umelecké dielo konceptuálneho umenia. Kým Amerika bola centrom konceptualizmu, umelecké hnutie bolo medzinárodné. Zatiaľ čo forma, farba, rozmery a materiál sa líšili od kontinentu k kontinentu, ako aj od umelca k umelcovi, rôzne umelecké diela boli podobné v prístupe vyjadrenia myšlienky nad remeselným spracovaním a konečným umeleckým dielom.

Netradičné metódy a materiály

Mnohí umelci môžu byť zmierení aj z hľadiska kritiky kapitalizmu a čoraz viac komercializovaného umeleckého sveta. Podobne ako Marcel Duchamp, preto mnohí umelci používali každodenný materiál alebo zámerne vyrábali umelecké diela, ktoré sa ťažko predávali – alebo si dokonca sami vytvorili umelecké dielo, ako to urobil umelec Bruce McLean vo svojej performancii. Póza Práca pre podstavce v roku 1971.

Póza Práca pre podstavce od Brucea McLeana , 1971, Tanya Leighton Gallery

V archív Tate Modern , Londýn, predstavenie Brucea McLeana v Situation Gallery v roku 1971 je opísané ako ironický a vtipný komentár k tomu, čo považoval za pompéznu monumentalitu veľkých ležiacich sôch Henryho Moorea. Sochy McLeana aj Moorea uchvacujú obzvlášť organickou formou, ktorá v jednom prípade vyplýva zo samotného skutočného tela, zatiaľ čo v druhom prípade reprodukuje túto veľmi skutočnú fyzickú formu v bronze.

Ležiaca postava od Henryho Moora , 1938, Súkromná zbierka

Radikálne pozície

Baví vás tento článok?

Prihláste sa na odber nášho bezplatného týždenného bulletinuPripojte sa!Načítava...Pripojte sa!Načítava...

Ak chcete aktivovať predplatné, skontrolujte svoju doručenú poštu

Ďakujem!

Aj keď pre mnohých umeleckých divákov mohlo byť ťažké klasifikovať výkon Brucea McLeana Póza Práca pre podstavce ako umenie na prvom mieste predstavil taliansky konceptuálny umelec Piero Manzoni v roku 1961 umelecké dielo, ktoré nechalo zmiasť aj skúsených umeleckých divákov. Nadpis Posraný umelec (Hovno umelca) už odkazuje na provokáciu, ktorú chcel Manzoni dosiahnuť svojím umeleckým dielom. Posraný umelec (Hovno umelca) pozostáva z 90 plechoviek, z ktorých každá je – ako už názov napovedá – naplnená 30 gramami fekálií. Štítok na plechovkách uvádza v taliančine, angličtine, francúzštine a nemčine:Umelcove hovno/Obsah netto 30 g/Čerstvo konzervované/Vyrobené a pocínované v máji 1961.

Merda d'artista (umelecké sračky) od Piera Manzoniho , 1961, Súkromná zbierka

Len máloktoré konceptuálne umelecké diela v dejinách umenia spájajú provokáciu a koncept takým radikálnym spôsobom. Vystavením umelcových výkalov spojil Manzoni protiklady vysokého umenia a biologického odpadu nápadu a objektu v plechovke s rozmermi 4,8 x 6,5 cm. Okrem toho je toto umelecké dielo ironickým komentárom k mechanizmom reklamného priemyslu v 60. rokoch. Ďalšie konceptuálne umelecké dielo, ktoré spôsobilo a škandál keď bol prvýkrát vystavený v roku 1976, vytvorila ho americká umelkyňa Mary Kelly. Mary Kelly sa vo svojich dielach venuje predovšetkým feministickým témam. V sérii niekoľkých dielov v 70. rokoch napríklad dokumentovala vzťah medzi sebou ako matkou a jej malým synčekom. Každá zo šiestich častí sa zameriava na rôzne formálne momenty medzi matkou a synom, ktoré sa následne odrážajú v umeleckých dielach ako formálne prostriedky.

Detail z Dokument po pôrode od Mary Kelly , 1974, Inštitút súčasného umenia, Londýn

Mary Kelly často kombinovala obvyklý materiál zo svojho každodenného života so svojím synom so slovami – ako to urobila v prvej časti Dokumentácia po pôrode . V tomto diele umelkyňa použila synove vložky do plienok ako akési plátno a spojila ich s písaným slovom. Škandalóznym detailom diela je, že boli použité plienky a diváci umeleckého diela boli nielen konfrontovaní so škvrnami od zvratkov, ale boli informovaní aj o kombinácii potravín, ktoré ho vytvorili.

Ed Ruscha: Pokračujúce projekty konceptuálneho umenia

Všetky tieto rôzne príklady konceptuálneho umenia ukázali: Keďže sa táto špeciálna forma umenia sústreďuje na myšlienku, ktorá za ňou stojí, neexistujú pre ňu takmer žiadne hranice realizácie. Americký umelec Ed Ruscha dnes patrí k tým naj slávnych umelcov pop-artu je však známy aj svojou koncepčnou prácou. Od 60. rokov pracoval Ed Ruscha v rôznych médiách ako maľba, grafika, kresba, fotografia a film. Jedným z umelcových najzaujímavejších diel v oblasti konceptuálneho umenia je kniha Každá budova na Sunset Strip . Ako už názov napovedá, je to kniha, ktorá ukazuje každý dom na slávnom Sunset Strip v Los Angeles. Zaujímavá je nielen forma knihy – 7,6 metra dlhá kniha v harmonikárovom sklade, ale aj tvorba fotografií v knihe. Pre Každá budova na Sunset Strip, Ed Ruscha fotil celú dĺžku Sunset Boulevard v Los Angeles takzvanou motorizovanou kamerou. So špeciálnou konštrukciou fotoaparátu na statíve stojacom na nakladacom priestore pick-upu zdokumentoval Ed Ruscha ľudovú reč Los Angeles jednou fotografiou za sekundu na veľkých filmových kotúčoch.

Každá budova na Sunset Strip od Eda Ruscha , 1966, Súkromná zbierka

Ed Ruscha začal s týmto projektom v 60. rokoch minulého storočia a dodnes pracuje na svojej dokumentácii Los Angeles. V posledných desaťročiach umelec údajne urobil takmer milión fotografií. Skutočnosť, že Ed Ruscha sám nikdy nevyvolal všetky fotografie a len malé percento z nich použil na knihy ako Každá budova na Sunset Strip ukazuje, ako veľmi stojí koncepcia tejto práce a samotná činnosť dokumentácie z hľadiska dôležitosti nad výstupom. Konceptuálne umenie, ako vidíme na všetkých príkladoch uvedených v tomto článku, nepozná ani priestorové, ani časové, ani často spoločensky platné morálne hranice. Konceptuálne umenie môže byť ironické, vážne alebo dokonca šokujúce. Konceptuálne umenie môže byť v konečnom dôsledku čokoľvek alebo nič. Ide o to jediné, na čom záleží – je to stroj, ktorý robí umenie, ako vysvetlil Sol Lewitt už v roku 1967.