4 ikonické umelecké a módne spolupráce, ktoré formovali 20. storočie

Tri kokteilové šaty, pocta Pietovi Mondrianovi od Erica Kocha , 1965, cez Vogue France

Prepojenia umenia a módy definujú špecifické momenty v histórii. Obe tieto médiá odrážajú sociálne, ekonomické a politické zmeny od burácajúcich dvadsiatych až po okázalé roky osemdesiate. Tu sú štyri príklady umelcov a módnych návrhárov, ktorí svojou prácou pomohli formovať spoločnosť.

1. Halston a Warhol: Módne spoločenstvo

Štyri portréty Halstona , Andy Warhol, 1975, Súkromná zbierka

Priateľstvo medzi Royom Halstonom a Andy Warhol je ten, ktorý definoval umelecký svet. Halston aj Warhol boli lídrami, ktorí vydláždili cestu k tomu, aby sa z umelca / dizajnéra stala celebrita. Zbavili sa domýšľavej stigmy umeleckého sveta a priniesli módu a štýl masám. Warhol použil sieťotlač na vytváranie obrázkov niekoľkokrát. Hoci tento proces určite nevynašiel, urobil prevrat v myšlienke masovej výroby. Halston používal látky a vzory, ktoré boli jednoduché a elegantné, no očarujúce použitím flitrov, ultrasuede a hodvábu. Bol jedným z prvých, ktorí sprístupnili a žiadali americkú módu. Obaja dali definitívnu pečať umeniu a štýlu počas 60., 70. a 80. rokov 20. storočia, ktorá trvá dodnes.

Spolupráca a komerčný úspech

Kvety od Andyho Warhola , 1970, cez Múzeum umenia Princetonskej univerzity (vľavo); s Liza od Andyho Warhola , 1978, cez Christie’s (v strede); a Kvety od Andyho Warhola , 1970, cez Tacoma Art Museum (vpravo)

Halston aj Warhol spolupracovali na mnohých rôznych projektoch. Warhol vytvoril reklamné kampane, ktoré obsahovali Halstonove oblečenie a dokonca aj Halstona samotného. V priamejšej spolupráci Halston použil Warholovu kvetinovú potlač na niektorých svojich odevoch od večerných šiat až po súpravu spoločenských odevov.

Halston používal vo svojich odevoch jednoduché vzory, vďaka čomu boli veľmi úspešné. Boli jednoduché a ľahko sa nosili, no napriek tomu sa cítili luxusne vďaka použitiu látok, farieb alebo potlačí. Warhol by tiež zjednodušil svoje materiály a proces, čo uľahčilo reprodukciu jeho diel a zvýšilo ich predajnosť.

Baví vás tento článok?

Prihláste sa na odber nášho bezplatného týždenného bulletinuPripojte sa!Načítava...Pripojte sa!Načítava...

Ak chcete aktivovať predplatné, skontrolujte svoju doručenú poštu

Ďakujem!

Večerná róba od Halstona , 1972, cez Indianapolis Museum of Art (vľavo); s Šaty a zodpovedajúci plášť od Halstona , 1966, cez FIT Museum, New York City (v strede); a Lounge Ensemble od Halstona , 1974, cez University of North Texas, Denton (vpravo)

Komerčný úspech mal pre oboch dizajnérov svoje výzvy. Halston by bol prvým, kto v roku 1982 spolupracoval s maloobchodným reťazcom JCPenney, čo malo zákazníkom poskytnúť možnosť za nižšiu cenu pre jeho návrhy. To nebolo úspešné pre jeho značku, pretože sa zdalo, že ju zlacňuje, ale pripravilo to cestu pre budúcich dizajnérov, aby urobili to isté. Warhol sa stretol aj s kritikou, pretože jeho produkcia bola považovaná za plytkú a povrchnú. Obaja však zmodernizovali používanie maloobchodu a marketingu vo svojich príslušných priestoroch, aby vytvorili značky na predaj na masovom trhu.

Glitz And Glamour

Topánky Diamond Dust od Andyho Warhola , 1980, cez Monsoon Art Collection, Londýn (vľavo); s Dámske šaty, Flitr od Halstona , 1972, cez LACMA (vpravo)

Warhol aj Halston boli častými návštevníkmi Štúdia 54. Bavili sa, navrhovali a vyrábali diela pre celebrity ako Liza Minnelli, Bianca Jagger a Elizabeth Taylor. Tieto výlety sa odzrkadľujú v ich dielach, pretože inšpirovali a definovali éru disko 70-tych rokov.

Halston je známy tým, že vytvára večerné oblečenie s celými flitrami. Položil flitre na látku vodorovne. To vytvára trblietavý efekt materiálu, ktorý by použil na vytvorenie ombré alebo patchworkových návrhov. Jeho návrhy boli jednoduché siluety, ktoré vytvárali ľahkosť a pohyb pre tanec. Jeho používanie flitrov bolo veľmi obľúbené medzi hviezdami, vrátane Lizy Minnelli, ktorá nosila jeho návrhy na vystúpenia a výlety. Štúdio 54 .

Warholova séria Diamond Dust Shoes je tiež príkladom nočného života Štúdia 54 a vplyvu celebrít. Diamond Dust je to, čo použil na vrchnú časť sieťotlače alebo maľby, čím vytvoril extra prvok hĺbky diela. Warholove odtlačky topánok boli pôvodne nápadom na reklamnú kampaň pre Halstona. Ako inšpiráciu dokonca použil niektoré z Halstonových vlastných návrhov topánok.

Z dizajnéra, ktorý sa stal celebritou, začali Warhol a Halston. Nešlo len o to, aké druhy umenia a odevy vytvorili, ale aj o ich spoločenský život. V súčasnosti existujú módni návrhári a umelci, ktorí sú osobnosťami celebrít a to prispieva k úspechu ich značiek.

2. Sonia Delaunay: Kde sa umenie stáva módou

Sonia Delaunay s dvoma priateľmi v štúdiu Roberta Delaunaya, 1924, cez Bibliothèque Nationale de France, Paríž

Sonia Delaunayová nielen revolúciu v novej forme kubizmus ale tiež si predstavoval spojenie medzi umením a módou. Delaunay aj jej manžel boli priekopníkmi Orfizmus a experimentoval s rôznymi formami abstrakcie v umení. Bola prvou svojho druhu, ktorá použila svoj vlastný umelecký štýl a prešla do sveta módy pomocou svojich originálnych textilných návrhov, potlačí či vzorov. Pamätá si ju skôr pre svoje umenie a spojenie s manželom ako pre svoju módu. Jej odevy boli v popredí zmien v ženskom obliekaní v dvadsiatych rokoch minulého storočia. Jej katalóg odevov si pamätajú skôr fotografie a odkazy na jej umenie než samotné fyzické odevy. Pre Delaunaya neexistuje žiadna hranica medzi umením a módou. Pre ňu sú jedno a to isté.

Simultánna a rebelská móda

Simultánne šaty (tri ženy, tvary, farby) od Sonie Delaunayovej , 1925, cez Národné múzeum Thyssen-Bornemisza, Madrid (vľavo); s Simultánne šaty od Sonie Delaunayovej , 1913, cez Národné múzeum Thyssen-Bornemisza, Madrid (vpravo)

Delaunay začala svoju módnu činnosť v 20. rokoch 20. storočia vytváraním odevov pre klientov a navrhovaním látok pre výrobcov. Nazvala svoj label Súčasne a ďalej pokročila v používaní farieb a vzorov na rôznych médiách. Simultanizmus zohralo dôležitú úlohu v jej dizajnovom procese. Jej použitie je veľmi podobné patchworkovej prikrývke alebo textíliám z východnej Európy. Farby sa navzájom prekrývajú a vzory sa používajú na vytvorenie harmónie a rytmu. Medzi jej bežné témy patria štvorce/obdĺžniky, trojuholníky a diagonálne čiary alebo gule – všetky sa v jej rôznych dizajnoch navzájom prekrývajú.

Doska 14 od Sonia Delaunay: Jej obrazy, jej predmety, jej simultánna látka, jej móda od Sonie Delaunayovej , 1925, cez National Gallery of Victoria, Melbourne

Delaunay bola mladá žena počas r Edwardská éra kde korzety a konformita boli normou. To sa zmenilo v 20. rokoch 20. storočia, keď ženy nosili sukne nad kolená a voľné, škatuľovité odevy. Tento aspekt je niečo, čo možno vidieť v návrhoch Delaunay a ona bola nadšená vytváraním odevov, ktoré vyhovujú potrebám žien. Navrhla plavky, ktoré ženám umožnili lepšie sa zapojiť do športov, ktoré predtým bránili ich hraniu. Svoje textílie umiestnila na kabáty, topánky, klobúky a dokonca aj autá, čím sa každý povrch stal jej plátnom. Jej návrhy vytvorili slobodu pohybu a výrazu prostredníctvom farby a formy.

Delaunayov prechod k filmu a divadlu

Le P'tit Parigot od René Le Somptiera , 1926, cez IMDB (vľavo); s Kostým pre „Cleopatru“ v inscenácii Ballets Russes „Cleopatra“ od Sonia Delaunay, 1918, cez LACMA (vpravo)

Delaunay počas svojej kariéry prešla k filmu a divadlu. Pre film z roku 1926 navrhla kostýmy Le P'tit Parigot („Malá parížska“) od Rene Le Somptiera. Delaunay aj jej manžel prispeli k filmu a jej manžel prispel k výpravám použitým vo filmoch. Vľavo je rumunská tanečnica Lizicai Codreanu zobrazená v jednom z kostýmov, ktoré navrhol Delaunay. Jej použitie gúľ, cikcakov a štvorcov je ďalším príkladom simultanizmu. Kľukaté pozadie splýva s legínami kostýmov. Disk obklopujúci tvár tanečníka bol v Delaunayho móde opakovanou témou.

Vytvorila aj návrhy pre 'Cleopatra' , od Ballets Russes. Podobne ako pri filmovej spolupráci, vytvorila kostýmy a jej manžel pracoval na výprave. Obaja navzájom spolupracovali, aby vytvorili pre diváka harmonický zážitok. Kostým Kleopatry má viacfarebné pruhy a polkruhy, ktoré spájajú jej abstraktný štýl z roku 1920 s tradičným baletom.

3. Spolupráca Elsy Schiaparelliovej a Salvadora Dalího

Topánky v tvare klobúka Schiaparelli od Elsy Schiaparelli a Salvadora Dalího , 1937-38, cez Vogue Australia

V popredí surrealistické umenie sa spája s lídrom v surrealistickej móde. Salvador Dalí a módny návrhár Elsa Schiaparelli spolupracovali a navzájom sa inšpirovali počas svojej kariéry. Vytvorili ikonické obrazy ako napr Šaty pre homára , Klobúk na topánky (Dalího manželka, Gala viď vyššie) a Šaty Slza , ktorá šokovala a inšpirovala divákov v umení aj móde. Dalí a Schiaparelli vydláždili cestu pre budúcu spoluprácu medzi módnymi návrhármi a umelcami, keď preklenuli priepasť medzi tým, čo sa považuje za nositeľné umenie a módu.

Homár a Dalí

Dámske večerné šaty od Elsy Schiaparelli a Salvadora Dalího , 1937, cez Philadelphia Museum of Art (vľavo); Salvador Dalí od Georga Platta Lynesa , 1939, cez The Metropolitan Museum of Art, New York City (vpravo)

Zatiaľ čo homár je zdanlivo neškodný, v skutočnosti je ponorený do kontroverzie. Dalí využil homáre ako opakujúca sa téma v jeho tvorbe a zaujímala sa o anatómiu homára. Jeho škrupina pôsobí zvonku ako kostra a zvnútra má mäkké vnútro, na rozdiel od ľudí. Homár v Dalího tvorbe má aj sexuálne tóny, ktoré pramenia zo žensko-mužskej dynamiky.

Šaty Lobster sú výsledkom spolupráce dvoch umelcov s Dalím, ktorý načrtol homára, ktorý sa má použiť na šatách. Keď debutoval v r, vyvolal veľa kontroverzií Vogue . Po prvé, má priesvitný živôtik a sukňu z bielej organzy. Táto priehľadnosť, ktorá ukazuje sotva viditeľný obraz tela modelky, bola v móde niečím úplne novým, videným v masovom meradle. Použitie bielej látky tiež kontrastuje s červenou farbou homára. Biela môže byť považovaná za panenskú alebo znamená čistotu v porovnaní s červenou, ktorá môže znamenať sexualitu, silu alebo nebezpečenstvo. Homár je vhodne umiestnený na sukni, aby pokryl ženskú panvovú oblasť. Toto umiestnenie je podobné fotke Dalího vyššie, čo ďalej znamená ženskú sexualitu v porovnaní s reakciou mužov na ňu.

Model, v ktorom mal oblečený odev Vogue bola Wallis Simpson, manželka Edwarda VIII., ktorý sa vzdal anglického trónu, aby sa s ňou oženil. Toto je ďalší príklad prijatia kontroverznej postavy alebo obrazu v kultúre a premeny na niečo, čo treba uctievať.

Kostný štýl

Žena s hlavou ruží od Salvadora Dalího , 1935, cez Kunsthaus Zurich (vľavo); s Kostry šaty od Elsy Schiaparelli , 1938, cez Victoria and Albert Museum, Londýn (vpravo)

Kostry sú ďalšou témou v surrealistickom umení a boli použité vo viacerých spoluprácach medzi Dalím a Schiaparellim. Kostry šaty bola prvá svojho druhu pre svoj námet, ale aj pre svoju techniku. Schiaparelli použil techniku ​​tzv prešívaná kde sú dve vrstvy látky zošité a vytvárajú obrys. Vata je vložená do obrysu, čím vzniká vyvýšený efekt. Táto technika vytvára na plochej látke textúrovaný povrch, ktorý vytvára ilúziu, že cez šaty vyčnievajú ľudské kosti. Spôsobilo to škandál, pretože šaty boli vyrobené z priľnavého materiálu, ktorý sa lepil na kožu. Imaginácie Dalího malieb a kresieb boli realizované vo fyzickom trojrozmernom svete Schiaparelliho odevmi. Dali, ako už bolo spomenuté, sa zaujímal o anatómiu a to sa premieta aj do jeho práce.

4. Yves Saint Laurent: Kde sa stretáva umenie a inšpirácia

Šaty inšpirované Picassom od Yves Saint Laurent od Pierra Guillauda , 1988, prostredníctvom Times LIVE (vľavo); s Vtáky Georges Braque, 1953, v múzeu Louvre, Paríž (vpravo)

Kde je hranica medzi napodobňovaním a oceňovaním? Kritici, diváci, umelci a dizajnéri sa snažili určiť, kde je táto čiara nakreslená. Pri diskusii však Yves Saint Laurent Jeho zámery neboli nič iné ako lichôtky a obdiv k umelcom a obrazom, ktoré používal ako inšpiráciu. Pri pohľade na svoje rozsiahle portfólio sa Saint Laurent inšpiroval kultúrami a umením z celého sveta a zakomponoval to do svojich odevov.

Hoci sa Yves Saint Laurent nikdy nestretol s umelcami, ktorí ho inšpirovali, nezabránilo mu to vytvárať diela ako poctu im. Laurent zbieral inšpiráciu od umelcov ako napr Matisse , Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ,a Picasso . Bol zberateľom umenia a vo svojom vlastnom dome mal obrazy Picassa a Matissa. Vnímanie snímok iného umelca ako inšpirácie môže byť niekedy vnímané ako kontroverzné. Saint Laurent by však použil podobné témy ako títo umelci a zakomponoval ich do nositeľných odevov. Vzal dvojrozmerný motív a premenil ho na trojrozmerný odev, ktorý vzdáva hold niektorým z jeho obľúbených umelcov.

Pop Art a revolúcia 60. rokov

Koktejlové šaty, ktoré nosila Muriel, pocta Pietovi Mondrianovi, kolekcia haute couture jeseň-zima 1965 Yves Saint Laurent, fotografoval Louis Dalmas , 1965, cez Musée Yves Saint Laurent, Paríž (vľavo); s Večerné šaty, ktoré nosila Elsa, Pocta Tomovi Wesselmannovi, kolekcia haute couture jeseň-zima 1966 od Yves Saint Laurent, fotografoval Gerard Pataa, 1966 , cez Yves Saint Laurent Museum, Paríž (vpravo)

Šesťdesiate roky boli obdobím revolúcie a komercializmu a boli novou érou pre módu a umenie. Saint Laurentove návrhy zožali komerčný úspech, keď sa začal inšpirovať Pop art a abstrakcie. V roku 1965 vytvoril 26 šiat inšpirovaných abstraktnými maľbami Pieta Mondriana. Šaty stelesňovali Mondrianovo použitie zjednodušených foriem a odvážnych základných farieb. Saint Laurent použil techniku, kde medzi vrstvami látky nie sú viditeľné žiadne švy, vďaka čomu to vyzerá, akoby bol odev z jedného celku. Saint Laurent prevzal Mondrianovo umenie z 20. rokov 20. storočia a urobil ho nositeľným a podobným 60. rokom 20. storočia.

Šaty v štýle mod sú klasickými príkladmi štýlu 60-tych rokov, kde sa praktickosť stávala pre ženy väčším problémom. Podobali sa odevom z 20. rokov 20. storočia, ktoré boli menej obmedzené a na rukávoch a spodných líniách bolo vidieť viac kože. Boxovité siluety Saint Laurenta umožňovali ženám ľahkosť a pohyb. To viedlo aj k jeho inšpirácii pop artovými umelcami ako napr Tom Wesselmann a Andy Warhol. Vytvoril rad dizajnov inšpirovaných pop artom, ktoré obsahovali siluety a výrezy na jeho odevoch. Išlo o prelomenie obmedzení, čo je abstrakcia v umení a komercializácii dizajnu. Laurent spojil tieto dve myšlienky dohromady, aby vytvoril odevy pre ženy, ktoré boli pre modernú ženu oslobodzujúce a príťažlivé.

Umenie v móde Haute Couture

Večerné komplety, pocta Vincentovi van Goghovi, ktoré nosili Naomi Campbell a Bess Stonehouse, kolekcia haute couture jar-leto 1988 od Yves Saint Laurent, fotografoval Guy Marineau , 1988, cez Yves Saint Laurent Museum, Taken

The Vincent van Gogh Bundy od Saint Laurent sú príkladom toho, ako Saint Laurent spojil inšpiráciu od iných umelcov a svoj vlastný dizajnérsky talent. Rovnako ako jeho ostatné odevy, témy súvisiace s umelcami neboli skopírované a prilepené na odevy Saint Laurenta. Namiesto toho sa rozhodol, že ich vezme ako inšpiráciu a vytvorí kúsky, ktoré odrážajú jeho vlastný štýl. Bunda reprezentuje štýl 80-tych rokov so silnými ramenami a veľmi štruktúrovaným hranatým vzhľadom. Je to koláž zo slnečníc vyšívaná maliarskym štýlom Van Gogha.

Slnečnicová bunda-detail od Yvesa Saint Laurenta , 1988, cez Christie’s (vľavo); s Slnečnice-detail od Vincenta Van Gogha , 1889, cez Van Goghovo múzeum v Amsterdame

Yves Saint Laurent spolupracoval s domom o Lesage House , líder vo vyšívaní haute couture. Slnečnicový kabátik je vyšívaný rúrkovými korálkami lemujúcimi okraje kabátika a lupeňov a stonky slnečnice. Kvety sú vyplnené rôznymi odtieňmi oranžových a žltých flitrov. Vznikne tak viacrozmerná textúra podobná Van Goghovej technike vrstvenia hrubej farby na plátno. Odhaduje sa, že ide o jeden z najdrahších kúskov haute couture, ktorý sa dá vyrobiť, v Christie’s sa predáva za 382 000 eur. Saint Laurent preklenul cestu, ako sa dá nosiť móda ako umelecké dielo samo o sebe.