Textilné umenie: 6 najlepších umelcov, ktorých by ste mali poznať

Vyšívanie je tu už veľmi dlho, ale myšlienka, že šitie a vyšívanie možno považovať za umenie, je pomerne nová. Počas histórie sa textilné umenie považovalo za menejcennú formu umenia v porovnaní s maľbou alebo sochou. Bol to vhodný koníček pre ženy, ale nie niečo, čo by patrilo do galérie. Akokoľvek tiesnivá, zároveň poskytovala priestor na tvorivé skúmanie. Práve táto dvojaká povaha šitia a vyšívania inšpirovala feministické umelkyne v USA a Spojenom kráľovstve, aby začali vyjadrovať svoje politické myšlienky prostredníctvom textilného umenia v 70. a 80. rokoch 20. storočia. V súčasnosti možno v múzeách a galériách po celom svete nájsť látkové diela veľkých umelcov ako Louise Bourgeois.

1. Textilné umenie Louise Bourgeois (1911-2010)

Hysterický od Louise Bourgeois , 2001, prostredníctvom Art Forum

Len málo umelkýň sa dostalo na rovnakú úroveň medzinárodných celebrít ako Louise Bourgeois . Aj keď existuje niekoľko dôvodov nedostatok umelkýň v dejinách umenia a dokonca aj súčasných múzeí a galérií je vplyv buržoázie na širší umelecký svet nepopierateľný. S kariérou trvajúcou sedem desaťročí a na dvoch kontinentoch bola umelkyňa francúzskeho pôvodu jednou z najplodnejších tvorivých síl svojej doby. Jej najznámejšie diela patria k čomu Rosalind Kraussová dabovala rozšírenú oblasť sochárstva, ale bola aj dokonalou maliarkou, grafikou a pre nás, čo je najdôležitejšie, textilnou výtvarníčkou. Buržoázia sa často spája s Surrealizmus , a vystavovala pri viacerých príležitostiach s Abstraktní expresionisti, ale nikdy nebola oficiálne členkou žiadneho hnutia a jej umelecký štýl bol veľmi jedinečný.

Bourgeois vo svojich rozsiahlych sochách a inštaláciách experimentovala s rôznymi materiálmi, ktoré sa až do druhej polovice dvadsiateho storočia nepovažovali za umelecké. Guma, silikón, vlna a nite sa objavujú v celom diele Bourgeois, ktoré bolo silne ovplyvnené jej zážitkami z raného detstva.

Umelec sa narodil v roku 1911 v Paríži vo Francúzsku. Jej rodičia vlastnili dielňu na reštaurovanie starožitných tapisérií, takže Bourgeois mala prvé skúsenosti s textilnou prácou, aj keď najprv išla študovať matematiku na Sorbonnu. V roku 1938 ukončila umelecké vzdelanie a otvorila si vlastnú galériu v Paríži. V tom istom roku sa zoznámila so svojím celoživotným partnerom, historikom umenia Robert Goldwater, a presťahovala sa s ním do New Yorku, kde sa jej umelecká kariéra naďalej rozvíjala.

Louise Bourgeois od Roberta Mapplethorpa , 1982 (vytlačené 1991), cez Tate Museum, Londýn

Baví vás tento článok?

Prihláste sa na odber nášho bezplatného týždenného bulletinuPripojte sa!Načítava...Pripojte sa!Načítava...

Ak chcete aktivovať predplatné, skontrolujte svoju doručenú poštu

Ďakujem!

Spomienky Louise Bourgeois na čas strávený v dielni jej rodičov a ich zložité rodinné vzťahy však neprestali inšpirovať jej tvorbu. Myšlienky, ktoré boli vyvinuté vďaka objavu psychoanalýza vo väčšine jej diel – predstavy o podvedomí, detskej sexualite, túžbe, nehe, bolesti, materstve a smrti sú výrazné v celom jej diele. The obrázok pavúka , najznámejšie zobrazené v veľké verejné súsošie Maman z roku 1999, vysvetlila samotná Louise Bourgeois ako zobrazenie jej matky: šikovnej, jemnej, rozvážnej a trpezlivej. Táto súhra medzi tkaním a materstvom je tiež dôležitým aspektom jej textilnej tvorby.

Louise Bourgeois, ktorá bola od začiatku v úzkom kontakte s textilom, cítila emocionálne spojenie s látkami rôznych druhov a šitie bolo obnovujúcou a liečivou činnosťou. Počas svojho života zbierala rôzne kúsky textílií, ktoré sa nakoniec zmenili na hlboko intímne a občas autobiografický umelecké práce. V jej kresbách sa objavuje textil, ručne šitý ilustrovaný látkové knihy a figuratívne plastiky. Zatiaľ čo jej dvojrozmerné textilné umelecké diela boli prevažne abstraktné, geometrické a kontemplatívne, ona mäkké sochy boli veľmi organické a často dokonca explicitné vo vzťahu k telu, sexualite a reprodukcii.

Tým, že Louise Bourgeois strávila desaťročia pokúšaním sa dekonštruovať svoje vlastné detstvo, intímny život a podvedomie, mala hlboký vplyv v oveľa väčšom meradle – pripravila cestu generáciám umelcov, ktorí by pokračovali v skúmaní nielen rôznych druhov materiálov, ale aj rôzne druhy predmetov v umení. Hoci nebola členkou žiadnej skupiny ani hnutia, Louise Bourgeois bola kľúčovou postavou feministického umenia, textilného umenia a súčasného sochárstva.

2. Years Albers (1899-1994)

Tapiséria od Anni Albers , 1948, cez Múzeum moderného umenia v New Yorku

Narodila sa Annelise Fleischmannová Anni Albers bol nemecký americký textilný výtvarník a grafik, jeden z prvých, ktorí narušili obvyklú binárnu sústavu medzi umením a remeslom. Ako mladú ženu so záujmom o maľbu Albers odradil od umenia Oskar Kokoshka, no napriek tomu sa prihlásila na škola Bauhaus vo Weimare v roku 1922. V tom čase škola nebola príliš liberálna, pokiaľ ide o výtvarná výchova žien a Albers sa nemohla pripojiť k dielni, ktorú chcela so svojím manželom Joseph Albers .

Albers, ktorá sa pôvodne nezaujímala o to, čo považovala za príliš ženskú a jednoduchú dielňu tkania, čoskoro pochopila plný potenciál tejto hmatovej umeleckej formy. Textilné umenie sa stalo jej hlavnou formou vyjadrenia na štyri desaťročia a jej diela by nakoniec vydláždili cestu ďalším textilným umelcom, aby získali uznanie a ďalej skúmali médium. Albersova retrospektívna výstava z roku 1949 v Múzeu moderného umenia v New Yorku bola prvou výstavou v tejto inštitúcii, ktorá bola venovaná výlučne textilnému umelcovi. Dokonca aj jej neskoršia grafická prax bola hlboko ovplyvnená poznatkami, ktoré získala pri tkaní, jej abstraktné litografie ktoré sa neskutočne podobajú geometrickým vzorom tapisérií.

Albersove tapisérie a výtlačky boli inšpirované Bauhausom a jej blízkosťou k umelcom akoPaul Kleea Walter Gropius . S jemným zmyslom pre textúru a haptické vlastnosti materiálov Anni Albers zakomponovala do svojej práce prírodné a syntetické vlákna, kov a plast, čím vytvorila veľké aj malé tapisérie s geometrickými vzormi, vysokým kontrastom a často vyváženou symetriou. Jej návrhy boli starostlivo preštudované a načrtnuté v rámci prípravy na prácu a túto pozornosť k detailu a zmysel pre rovnováhu možno vysledovať od jej raných textilných prác až po jej vyspelé skúmania litografie a sieťotlače.

3. Judith Scottová (1943-2005)

Bez názvu od Judith Scott , 2002, cez Museum of Modern Art, New York

The príbeh Judith a Joyce Scottových je jedným z najpútavejších príbehov vo svete umenia. Dnes už medzinárodne uznávaná sochárka Judith Scott, ktorá sa narodila s Downovým syndrómom, bola oddelená od svojho dvojčaťa Joycea vo veku siedmich rokov. Kvôli nediagnostikovanej strate sluchu v ranom detstve bola umelkyňa označená za nevzdelávateľnú a poslaná preč od rodiny do súkromnej opatrovateľskej inštitúcie. Keďže v tom čase neexistovalo žiadne hlbšie pochopenie postihnutia a duševného zdravia, Judith Scott strávila viac ako tri desaťročia oddelená od svojej sestry, zbavená akejkoľvek vzdelávacej alebo estetickej stimulácie. V roku 1985 sa však jej zákonnou zástupkyňou stala jej sestra Joyce a rozhodla sa priviesť ju k sebe domov v Kalifornii. O dva roky neskôr bola Judith zapísaná do školy Umelecké centrum kreatívneho rastu v Oaklande, kde nakoniec objavila svoj talent na umenie vlákien.

Niť, vlna, látka a nájdené predmety sa stali pre Judith Scott novoobjaveným jazykom a čoskoro začala vytvárať prepracované veľkorozmerné látkové sochy. Art Center okamžite rozpoznalo jej talent a poskytlo jej priestor a slobodu využiť všetky dostupné materiály pre svoju farebnosť kokonovité totemy a veľké abstrakcie . Akoby mala Judith Scott konečne prostriedky na vyjadrenie svojich myšlienok a pocitov, pracovala na svojich sochách päť dní v týždni až do konca svojho života, pričom celkovo vyrobila okolo 200 kusov. Jej diela teraz nájdete v mnohých múzeách a galériách po celom svete, spojené s pohybmi ako napr outsiderské umenie alebo Art Brut . Dedičstvo Judith Scottovej má však hlbšie dôsledky pre umelecký svet vo všeobecnosti, pretože si kladie niekoľko zásadných otázok, kto získa prístup k umeniu a tvorbe umenia.

4. Chiharu Shiota (1972)

Neistá cesta od Chiharu Shiota , 2019 prostredníctvom webovej stránky Chiharu Shiota

Chiharu Shiota je a súčasný japonský umelec práca v oblasti performance a umenia inštalácie. Najznámejšia je vďaka použitiu červenej a čiernej nite ponorné inštalácie . Dlhé línie červenej nite, ktoré znamenajú spojenia a ľudské vzťahy, sa spriadajú do sietí a prepletajú s rôznymi predmetmi, ako sú dvere, kľúče, šaty, knihy alebo člny, čím vytvárajú abstraktné, ale evokujúce priestory v galériách a múzeách.

Japonská umelkyňa sa narodila v Osake a študovala v Kjóte, Canberre a neskôr v Berlíne, kde mala možnosť pracovať a učiť sa od nemeckej umelkyne inštalácie. Rebecca Hornová , ako aj priekopník performance art Marina Abramović . Shiota získala za svoje diela verejné uznanie a uznanie kritiky už v roku 2000, ale medzinárodnú slávu si získala po vystavovaní pre Japonský pavilón na 56. bienále v Benátkach v roku 2015.

Textilné umelecké diela Chiharu Shiota plné symbolizmu a jemných poetických významov skúmajú témy pamäti, emócií, intimity, ženskosti, minulosti a dedičstva. Najväčšia sólová show Shiota vôbec, Duša sa chveje , ktorú organizuje Mori Art Museum, momentálne cestuje po svete. Na výstave sú prezentované niektoré z jej najúspešnejších prác, napr Neistá cesta , V tichosti , Odraz priestoru a času , a Prepojenie malých spomienok . Zatiaľ čo jej charakteristické siete vlákien zohrávajú úlohu v každej inštalácii, každé dielo sa zaoberá rôznymi kvalitami ľudskej skúsenosti, od ženského tela až po plynutie času.

5. Sheila Hicksová (1934)

Pilier dopytu/Supple Stĺpec od Sheily Hicksovej , 2013-2014, cez Museum of Modern Art, New York

Sheila Hicksová je americký umelec žijúci medzi Parížom, Francúzskom a New Yorkom. Je známa najmä svojimi veľkými, pestrofarebnými sochárskymi textíliami, experimentálnymi tapisériami a inovatívnym prístupom k tkaniu a umeniu látok. Podobne ako Chiharu Shiota a Louise Bourgeois, aj Hicksova umelecká kariéra bola formovaná cestovaním do iných častí sveta. Narodila sa v USA po havárii na Wall Street a väčšinu svojho detstva strávila na cestách so svojím otcom pri hľadaní práce. O tkanie ako formu kultúrneho prejavu sa začala zaujímať počas rokov na univerzite v Yale a nakoniec získala Fulbrightovo štipendium na štúdium starých techník tkania v Čile. Strávila mnoho rokov v Čile aj Mexiku, kde sa učila od tradičných textilných remeselníkov a viedla vlastné dielne. Pre Hicksa predstavuje tkanie a textilné umenie univerzálny jazyk, ktorý presahuje geografické oblasti a hranice.

Sheila Hicks zbierala tradičné poznatky z rôznych častí sveta a vyvinula svoj vlastný jedinečný štýl, ktorý obsahuje výrazné farby, suroviny a inovatívne prístupy. Jej rané textilné umelecké diela ako Blue Letter (1959) boli prevažne dvojrozmerné tapisérie s plochými farebnými povrchmi a rôznymi technikami tkania, zatiaľ čo jej neskoršie diela boli čoraz viac sochárske. Jej kolosálna inštalácia Escalade Beyond Chromatic Lands vystavená na Bienále v Benátkach v roku 2017 ukázala svoje skúsenosti ako cestovateľka/textilná antropologička a akademická maliarka so záujmom o teóriu farieb. Pilier vyšetrovania (2013-2014) posunuli aj hranice medzi textilné umenie, sochárstvo a pohlcujúce inštalácie , a to postavením mäkkých, voľných nití s ​​architektonickými prvkami budovy múzea. Jej diela, inšpirované domorodými praktikami, sú teraz prítomné v zbierkach veľkých múzeí od USA po Európu a Áziu.

6. Textilné umenie z El Anatsui (1944)

Bez názvu od El Anatsu i, 2017, prostredníctvom webovej stránky El Anatsui

El Anatsui je ghanský sochár a grafik so sídlom v Nigérii, najčastejšie spájaný s umelcami Skupina Nsukka . Hoci El Anatsui nepracuje priamo s rovnakými druhmi materiálov ako iní textilní umelci, do svojej praxe začleňuje šitie. Diela, ktoré dostali tohto afrického umelca do povedomia medzinárodnej verejnosti, sú jeho rozsiahle textilné umelecké projekty ako napr tapisérie/stenové závesy vyrobené z hliníkových uzáverov fliaš a podobných kovových častíc spojených medeným drôtom.

El Anatsui vo svojej praxi spája záujem o tradičné africké znalosti a remeslá, ako je tkanie a rezbárstvo, so západnými tradíciami abstraktného sochárstva a grafiky. Jeho inštalácie na vrchole fľaše boli vystavené po celom západnom svete v inštitúciách ako Metropolitné múzeum umenia, Brooklynské múzeum a Benátske bienále, čím sa zmenili niektoré mylné predstavy o africkom umení a umelcoch. Nájdené a recyklované materiály sú v jeho dielach prítomné od 90. rokov 20. storočia v snahe zdôrazniť kultúrne, ekonomické a environmentálne nerovnosti súčasnej spoločnosti a jej konzumnú trajektóriu. Súvisia aj s históriou Afriky, európskou koloniálnou expanziou a jej dôsledkami, od obchodu s otrokmi až po objavenie sa rumu v Afrike. Napriek robustnej povahe materiálov, prax šitia každého prvku dohromady vytvára flexibilné, farebné a dynamické tapisérie, ktoré možno vystavovať za rôznych okolností a opakovaní. Diela ako Bleeding Takari II a Ink Splash (2007) majú rovnaký vizuálny vzhľad vlniacej sa látky, ako keby boli vyrobené z nite alebo vlny.