6 ikonických umelkýň, ktoré by ste mali poznať

mama , socha od umelkyne Louise Bourgeois

Maman, socha od umelkyne Louise Bourgeois Chodník slávy histórie umenia je vydláždený menami umelcov, ale začína zhromažďovať viac umelcov. Všeobecné vnímanie mužského majstra a majstrovského diela je silne ovplyvnené tým, že ich ženské náprotivky takmer úplne chýbajú v našich školských učebniciach a v najvýznamnejších múzejných galériách.

Umelkyne dnes

Vo filmovom priemysle spôsobilo nedostatočné zastúpenie žien vo vedúcich úlohách ako režisérky a producentky v posledných rokoch mnohé vlny pobúrenia. Hashtagy, ktoré sa objavujú na sociálnych sieťach, ako napr #OscarsSoMale ukazujú, že existuje vysoký dopyt po väčšej viditeľnosti žien.

To isté platí pre umelecký priemysel, aj keď krik nie je taký hlasný ako v Hollywoode. Jedným z dôvodov by mohlo byť, že prinajmenšom v modernom a súčasnom umení došlo k pomalšiemu a stabilnejšiemu posunu smerom k väčšiemu počtu žien. Už v roku 1943 Peggy Guggenheimová zorganizovala čisto ženskú výstavu vo svojej neslávne známej newyorskej galérii Umenie tohto storočia , vrátane príspevkov od Dorothea Tanningová a Frida Kahlo . Tento priekopnícky podnik, tzv 31 žien , bola prvá svojho druhu mimo Európy. Odvtedy sa veľa zmenilo. Dnes existuje veľa galérií, ktoré zastupujú čoraz viac umelkýň. Viac žien prispieva aj na prestížnych umeleckých festivaloch a získavajú významné ocenenia.

Veľká únava, Camille Henrot, 2013, cez camillehenrot.fr

Umelkyne sú však v múzejnej krajine stále nedostatočne zastúpené. Spoločnosť poskytujúca informácie o trhu s umením Artnet Analýza odhalila, že v rokoch 2008 až 2018 iba 11 percent všetkej práce, ktorú získali špičkové americké múzeá, tvorili ženy. Preto, pokiaľ ide o historické chápanie umenia, je potrebné urobiť ešte veľa práce, aby sa zvýšila viditeľnosť umelkýň a ich práce.

Tu je prehľad mojich obľúbených umelkýň naprieč celou históriou umenia až dodnes, ktoré oceňujem pre ich zvládnutie viacerých médií, pre ich konceptuálne myslenie, pre ich spracovanie tém zameraných na ženy, a teda za vytvorenie pozoruhodného a jedinečného diela. .

Camille Henrot

Súčasná umelkyňa francúzskeho pôvodu Camille Henrot je známa tým, že pracuje s rôznymi médiami, od filmu po asambláž a sochárstvo. Dokonca sa pustila do Ikebany, tradičnej japonskej techniky aranžovania kvetov. Aj keď to, čo robí jej prácu skutočne pozoruhodnou, je jej schopnosť kombinovať zdanlivo protichodné myšlienky. Vo svojich zložitých umeleckých dielach stavia filozofiu proti popkultúre a mytológiu proti vede. Základná, všezahŕňajúca myšlienka jej umeleckých diel nie je nikdy príliš zrejmá. Camille Henrot je majsterkou v elegantnom balení vecí a vytváraní jemnej a mystickej atmosféry. Až po ponorení do nich budete môcť spájať bodky.

Aby sme to čo najlepšie ilustrovali, zoberme si príklad: V rokoch 2017 až 2018 Camille Henrot vystavovala Carte Blanche v Palais de Tokyo v Paríži s názvom Dni sú psy . Spochybnila vzťahy autority a fikcie, ktoré určujú našu existenciu, a vzala si jednu z najzákladnejších štruktúr v našich životoch – týždeň – aby zorganizovala svoju vlastnú výstavu. Zatiaľ čo roky, mesiace a dni sú štruktúrované prirodzenou danosťou, týždeň je naopak fikciou, ľudským výmyslom. Napriek tomu príbeh, ktorý je za ním, neznižuje jeho emocionálne a psychologické účinky na nás.

Bledá líška, Camille Henrot, 2014, fotografia Andyho Keatea cez camillehenrot.fr

V jednej z miestností Camille Henrot vystavovala svoju inštaláciu Bledá líška , ktorý bol predtým objednaný a vyrobený galériou Chisenhale. Použila ho na znázornenie posledného dňa v týždni – nedele. Ide o pohlcujúce prostredie postavené na predchádzajúcom projekte Camille Henrot Grosse Fatigue (2013) – film ocenený cenou Strieborný lev na 55. bienále v Benátkach. Kým Grosse Fatigue rozpráva príbeh vesmíru v trinástich minútach, Bledá líška je meditáciou o našej spoločnej túžbe porozumieť svetu prostredníctvom predmetov, ktoré nás obklopujú. Zhromažďovala osobný materiál a prekrývala ho podľa prebytku princípov (hlavné smery, etapy života, Leibnizove filozofické princípy), čím vytvorila fyzický zážitok bezsennej noci, katalogizačnú psychózu. Na svojej webovej stránke uvádza, že s The Pale Fox som chcel zosmiešniť akt budovania koherentného prostredia. Napriek všetkému úsiliu a dobrej vôli vždy skončíme s kamienok zapichnutým do jednej topánky.

Baví vás tento článok?

Prihláste sa na odber nášho bezplatného týždenného bulletinuPripojte sa!Načítava...Pripojte sa!Načítava...

Ak chcete aktivovať predplatné, skontrolujte svoju doručenú poštu

Ďakujem!

Haris Epaminondas

Ťažisko práce cyperského umelca sa sústreďuje na rozsiahle koláže a viacvrstvové inštalácie. Na medzinárodnú výstavu v 58. bienále v Benátkach skombinovala nájdené materiály ako sochy, keramiku, knihy či fotografie, z ktorých opatrne postavila jednu zo svojich charakteristických inštalácií.

Vol. XXII, Haris Epaminonda, 2017, fotografia Tonyho Prikryla

Podobne ako Camille Henrot, jej kompozície neodhalia svoj základný význam okamžite. Čo však odlišuje jej prácu od Camille Henrotovej, je to, že svoje objekty nevkladá do zložitých naratívov a konceptuálnych teórií. Namiesto toho sú jej inštalácie organizované oveľa jednoduchším spôsobom a vyvolávajú pocit minimalistického poriadku. Až pri bližšom pohľade na jednotlivé predmety si všimnete rozpory za zdanlivo dokonalou estetikou. Haris Epaminonda vo svojich kompozíciách využíva nájdené predmety, ktoré by v tradičnom ponímaní boli jeden druhému úplne cudzie. Napríklad bonsajový strom, ktorý stojí vedľa gréckeho stĺpa, nájdete takmer prirodzeným spôsobom. Umelkyňa zamotáva svoje objekty do siete historických a osobných významov, ktoré nepozná verejnosť a pravdepodobne ani ona sama. Hoci Haris Epaminonda neignoruje implicitné príbehy svojich predmetov, radšej ich necháva, aby svoju silu skutočne uplatnili.

VOL. 27., Haris Epaminonda, 2019, cez moussemagazine.it

Haris Epaminonda za svoje tridsaťminútové video Chimera vyhrala 58. bienále v Benátkach Strieborný lev ocenenie ako nádejný mladý účastník a odvtedy je jednou z medzinárodných streleckých hviezd súčasného umenia.

Úchop Akunyili Crosbyho

Njideka Akunyili Crosby sa narodila v Nigérii av súčasnosti žije a pracuje v Los Angeles. Ako tínedžerka jej matka vyhrala v lotérii o zelenú kartu, vďaka čomu sa celá rodina mohla presťahovať do Spojených štátov. Akunyili Crosby vo svojich obrazoch odráža svoje skúsenosti ako členka súčasnej nigérijskej diaspóry. Na gigantické papierové plochy nanáša viacero vrstiev, aby zobrazila portréty a domáce interiéry, pričom spája hĺbku a rovinnosť.

Táto umelkyňa pracuje s technikou zmiešaných médií, ktorá obsahuje okrem iného fotografické transfery, farbu, koláž, kresbu ceruzkou, mramorový prach a látku. Umelkyňa tak vytvára neobyčajné obrazy, ktoré ilustrujú skôr obyčajné domáce témy, v ktorých zobrazuje seba alebo svoju rodinu. Jej práca je naozaj celá o kontrastoch, formálne aj obsahovo. Pri bližšom pohľade na detaily jej obrazov nájdete predmety ako liatinový radiátor naznačujúci studené zimy v New Yorku alebo napríklad parafínovú lampu postavenú na stole, ktorá je čerpaná zo spomienok Akunyili Crosbyho na Nigériu.

Mama, mama a mama (predchodcovia č. 2), Njikeda Akunyili Crosby, 2014, cez njikedaakunyilicrosby

Kontrasty sa však neobmedzujú len na vyššie uvedené: V roku 2016 náhle vysoký dopyt po diele Akunyili Crosby, ktoré produkuje pomaly, prevážil nad ponukou. To spôsobilo, že ceny jej umeleckých diel explodovali na trhu. Vyvrcholilo to predajom jedného z jej obrazov na aukcii súčasného umenia Sotheby’s v r novembra 2016 za takmer 1 milión dolárov, čím vytvoril nový umelecký rekord. Len o šesť mesiacov neskôr predal dielo súkromný zberateľ za približne 3 milióny dolárov Christie’s London a v roku 2018 predala ďalší obraz za približne 3,5 milióna dolárov Sotheby’s New York .

Louise Bourgeois

Táto francúzsko-americká umelkyňa je známa najmä svojimi rozsiahlymi sochami, z ktorých najznámejší je gigantický bronzový pavúk „Louise Bourgeois Spider“ s názvom Maman, ktorý neustále cestuje po celom svete. S výškou deväť metrov vytvorila nadrozmerné, metaforické stvárnenie vlastnej matky, hoci umelecké dielo vôbec nie je o odhaľovaní tragického vzťahu matky a dcéry. Práve naopak: Socha je poctou jej vlastnej matke, ktorá pracovala ako reštaurátorka gobelínov v Paríži. Rovnako ako pavúky, aj Bourgeoisova matka obnovovala tkanivo – znova a znova. Umelec tak vnímal pavúky ako ochranné a nápomocné stvorenia. Život sa skladá zo zážitkov a emócií. Predmety, ktoré som vytvoril, ich robia hmatateľnými, Bourgeois raz povedala, aby vysvetlila svoje vlastné umelecké dielo.

Mama, Louise Bourgeois, 1999, cez guggenheim-bilbao.eus

Okrem tvorby sôch bola aj plodnou maliarkou a grafikou. V rokoch 2017 a 2018 sa Múzeum moderného umenia v New Yorku (MoMA) venovala retrospektívu menej známeho diela umelkyne s názvom An Unfolding Portrait, pričom sa väčšinou sústredila na jej maľby, skice a grafiky.

Môj vnútorný život, Louise Bourgeois, 2008, cez moma.org

Bez ohľadu na to, aké médium multitalentovaný umelec použil, Bourgeois sa väčšinou zameral na skúmanie tém, ktoré sa točia okolo domácnosti a rodiny, sexuality a tela, ako aj smrti a nevedomia.

Gabriela Munterová

Ak vieš Wassily Kandinsky , Gabriele Münter by pre vás nemalo byť nič menej. Expresionistická umelkyňa bola na čele skupiny Modrý jazdec (Modrý jazdec) a spolupracovala s Kandinským, s ktorým sa stretla počas vyučovania na Falangovej škole v Mníchove, avantgardnej inštitúcii založenej ruským umelcom.

Portrét Gabriele Münter, Wassily Kandinsky, 1905, cez Wikimedia Commons

Kandinsky bol prvým, kto si začiatkom 20. storočia všimol maliarske schopnosti Gabriele Münterovej. Ich profesionálny vzťah – ktorý sa napokon zmenil aj na osobný – trval takmer desaťročie. V tomto období sa Gabriele Münter naučila pracovať s paletovým nožom a hrubými ťahmi štetca, pričom používala techniky, ktoré odvodila z francúzskeho jazyka. Veľké mačky .

So svojimi novonadobudnutými schopnosťami začala maľovať krajiny, autoportréty a domáce interiéry v sýtych farbách, zjednodušených formách a odvážnych líniách. Po nejakom čase sa Gabriele Münter hlbšie zaujímal o maľovanie ducha modernej civilizácie, čo je spoločná téma expresionistických umelcov. Tak ako je život sám o sebe kumuláciou prechodných momentov, začala zachytávať okamžité vizuálne zážitky, vo všeobecnosti rýchlym a spontánnym spôsobom.

Žltý dom (Žltý dom), Gabriele Münter, 1908, cez Wikiart

Na vyvolanie pocitov použila živé farby a vytvorila poetické krajiny, ktoré sú bohaté na fantáziu a predstavivosť. Vzťah Gabriele Münterovej a Kandinského výrazne ovplyvnil tvorbu ruského umelca. Začal si osvojovať používanie nasýtených farieb od Gabriele Münterovej a jej expresionistický štýl vo svojich vlastných obrazoch.

Ich vzťah sa skončil, keď Kandinskij musel počas prvej svetovej vojny opustiť Nemecko, a tak sa musel vrátiť do Ruska. Od tej chvíle Gabriele Münter a Kandinsky pokračovali životom oddeleným od seba, ale ich vzájomný vplyv na diela toho druhého zostal.

Sophie Taeuber-Arp

Sophie Taeuber-Arp je pravdepodobne jednou z najtalentovanejších umelkýň v histórii umenia. Pôsobila ako maliarka, sochárka, textilná a scénografka a okrem iného aj ako tanečnica.

Scénografia pre König Hirsch (The Stag King), Sophie Taeuber-Arp, 1918, fotografia E. Linck Švajčiarsky umelec začínal ako inštruktor vyšívania, tkania a textilného dizajnu na Univerzite umenia v Zürichu. V roku 1915 spoznala svojho budúceho manžela Jean Hans Arp , ktorý utiekol pred nemeckou armádou počas prvej svetovej vojny a ktorý sa pridal k Dada pohyb . Zoznámil ju s hnutím a následne sa zúčastnila vystúpení, ktoré organizovala o dadaisti v Kabarete Voltaire. Prispela ako tanečnica, choreografka a bábkoherečka. Okrem toho navrhovala bábky, kostýmy a kulisy pre svoje predstavenia a vystúpenia iných umelcov Kabaret Voltaire .

Okrem vystupovania na podujatiach Dada Sophie Taeuber-Arp vytvorila textilné a grafické diela, ktoré patria spolu s dielami Pieta Mondriana a Kasimira Malevicha medzi najranejšie konštruktivistické diela v dejinách umenia.

Gleichgewicht (Balance), Sophie Taeuber-Arp, 1932-33, prostredníctvom Wikimedia Commons Tiež bola jednou z prvých umelcov, ktorí vo svojich dielach použili bodky. Sophie Taeuber-Arp mala vynikajúce pochopenie pre sofistikované geometrické formy, pre abstrakciu a pre použitie farieb. Jej diela boli často považované za priekopnícke a zároveň radostné.

V roku 1943 zomrela Sophie Taeuber-Arp v dôsledku nehody v dome Maxa Billa. Keď už bolo neskoro, ona a jej manžel sa rozhodli zostať cez noc. Bola studená zimná noc a Sophie Taeuber-Arp zapla starý sporák vo svojej malej izbe pre hostí. Na druhý deň ju manžel našiel mŕtvu na otravu oxidom uhoľnatým.

Sophie Taeuber-Arp a jej manžel Jean Arp veľmi úzko spolupracovali počas rôznych spoločných projektov. Boli jedným z mála párov v dejinách umenia, ktoré nezodpovedali tradičným úlohám umelca a jeho múzy. Namiesto toho sa stretli na úrovni očí a boli rovnako rešpektovaní a oceňovaní ich priateľmi – umelcami – Marcel Duchamp a Joan Miro sú dvaja z nich – a umeleckými kritikmi za ich diela