Fotorealizmus: Pochopenie majstrovstva všednosti

Autobus s odrazom Flatiron Building od Richarda Estesa , 1966-67, prostredníctvom Smithsonian Magazine a Marlborough Gallery, New York

Fotorealizmus je radikálne umelecké hnutie zo 60. rokov v Severnej Amerike, ktoré videlo maliarov kopírovať fotografie do najmenších detailov na obrovské, rozľahlé plátna. Počas fotorealistického hnutia umelci preukázali majstrovskú technickú virtuozitu v maľbe, ktorá nebola ako nič pred ňou, a novým spôsobom spojili dve protichodné médiá maľby a fotografie.

Rôzni umelci ako Malcolm Morley, Chuck Close a Audrey Flack si osvojili fotorealistický štýl, aby mohli pozorovať žiarivú novú tvár povojnovej mestskej kultúry, pričom premenili skromné ​​alebo banálne predmety, ako sú staré pohľadnice, neusporiadané stolové dosky alebo výklady, na fascinujúce umelecké diela. . Predovšetkým však hnutie fotorealizmu signalizovalo významné obdobie v dejinách umenia, pretože odvtedy fotografický materiál hral dôležitú úlohu vo vývoji súčasnej maľby.

Fotoaparát: Maliarsky nástroj pre fotorealizmus

RS Amsterdam pred Rotterdamom od Malcolma Morleyho , 1966, prostredníctvom Christie’s

Od svojho vynálezu v 19thFotografia storočia mala nevyhnutne vplyv na povahu a úlohu maľby. Úlohou maľby už nebolo zachytiť presnosť života, takže maľba mohla byť niečím úplne iným: mnohí tvrdili, že tento posun viedol 19tha 20th- umenie storočia ďalej do sfér abstrakcie , kde sa farba mohla správať akokoľvek chcela. Začiatkom 60-tych rokov však už mnohých umelcov unavovalo hádzať farby pre ich vlastné dobro a namiesto toho hľadali niečo čerstvé a nové. Vstupujú umelci Malcolm Morley a Richard Estes. Britský maliar Morley je často uvádzaný ako prvý umelec, ktorý skúmal fotorealizmus a vytvoril do detailu detailné kópie pohľadníc s idylickými zaoceánskymi parníkmi plaviacimi sa oslnivo modrou vodou v štýle, ktorý nazýval superrealistický.

Diner od Richarda Estesa , 1971, prostredníctvom Smithsonian Magazine a Marlborough Gallery, New York

Morleymu v pätách bol americký maliar Richard Estes, ktorý nasledoval trend s dôsledne vykreslenými zobrazeniami lesklej fasády New Yorku, od vyleštených okien reštaurácií z 50. rokov až po kovový lesk úplne nových motoriek. Reflexné povrchy, ktoré použil, boli zámernou ukážkou jeho majstrovského ovládania v maľbe a mali obrovský vplyv na fotorealizmus. Tento nový štýl maľby spočiatku vyzeral ako návrat k tradíciám realizmu, no v skutočnosti to bola úplne nová oblasť neprebádaného územia. To, čo odlišovalo prácu fotorealizmu od vysoko realistických maliarov minulosti, bol zámerný pokus replikovať vlastnosti jedinečné pre fotografický obraz, ako sa uvádza v publikácii. Umenie v čase : Fotorealistickí umelci 60-tych a 70-tych rokov 20. storočia skúmali typ vízie, ktorý bol jedinečný pre fotoaparát... zaostrenie, hĺbka ostrosti, naturalistické detaily a jednotná pozornosť k povrchu obrazu.

Baví vás tento článok?

Prihláste sa na odber nášho bezplatného týždenného bulletinuPripojte sa!Načítava...Pripojte sa!Načítava...

Ak chcete aktivovať predplatné, skontrolujte svoju doručenú poštu

Ďakujem!

Fotorealizmus, pop-art a minimalizmus

Železiari od Johna Salta , 1981 , cez National Galleries of Scotland, Edinburgh

Páči sa mi to Pop Art a minimalizmus, Fotorealizmus sa objavil v Európe a Spojených štátoch 50-tych rokov ako reakcia proti divoko emotívnym jazykom Abstraktný expresionizmus. Pop Art bol na prvom mieste a dláždil cestu drzým zameraním na nevšedný pôvab reklamy a kultúry celebrít doplnený kyslými jasnými farbami a zjednodušeným dizajnom. Minimalizmus bol v porovnaní s tým chladný a uhladený, oklieštený, rafinovaný pohľad na abstrakciu s opakujúcimi sa mriežkami, geometriou a obmedzenými farbami. Fotorealistické hnutie sa objavilo v strede niekde medzi týmito dvoma prúdmi a zdieľalo ich privlastňovanie populárna kultúra s pop-artom a čistá, metodická racionalita minimalizmu. V kontraste s drzou zábavou pop artu, fotorealistickí umelci pozorovali banálne predmety s ironickou, mŕtvou iróniou, ktorá bola zbavená ľudských emócií: hlavný kontrast možno vidieť medzi Andyho Warhola ikonický Pop motív Campbellove plechovky na polievku, 1962 a fotorealistické pozorovania Johna Salta výkladu železiarskeho obchodu Železiari , 1981. Fotorealizmus sa tiež stretol s minimalizmom tým, že stvárnil prvky naratívneho alebo realistického obsahu na rozdiel od ich čistého, čistého jazyka reduktívnej jednoduchosti.

Poprední umelci

'64 Chrysler od Roberta Bechtle , 1971, prostredníctvom Christie’s

Počas začiatku 70. rokov 20. storočia nabral fotorealizmus tempo a stal sa obrovským fenoménom v celej Severnej Amerike. Medzi lídrov nového štýlu patrili kalifornskí umelci Robert Bechtle, Ralph Goings a Richard Mclean a v New Yorku maliari Chuck Close, Audrey Flack a Tom Blackwell. Skôr ako jednotná skupina, každý umelec pracoval samostatne a pristupoval k fotoreálnemu štýlu vo svojom vlastnom koncepčnom rámci. Robert Bechtle maľoval výjavy, ktoré nazval esenciou americkej skúsenosti, odzrkadľujúc vizuálnu ikonografiu reklamy s obyčajnými prímestskými scénami rodín a ich spoľahlivých áut ako vrcholného symbolu kapitalistického luxusu. Jeho zameranie na plochú, lesklú dyhu je však až príliš dokonalé, čo naznačuje, že za touto povrchnou fasádou sa skrýva temnota. Richard Mclean tiež vytvoril idealizovanú víziu amerického života, ale namiesto predmestskej rozľahlosti uvádzal jazdecké alebo hovädzie predmety, dokumentujúci šikovných jazdcov, psovodov a lesklé kone v žiariacom slnku ako skutočný znak amerického sna.

Medailón od Richarda Mcleana , 1974, cez Guggenheimovo múzeum v New Yorku

Zrodil sa pohyb

Na túto pestrú skupinu začínajúcich mladých umelcov sa spočiatku valili rôzne mená vrátane nového realizmu, superrealizmu a hyperrealizmu, ale bol to newyorský galerista. Louis K Meisel ktorý prvýkrát vytvoril termín „fotorealizmus“ v katalógu pre Múzeum Whitney výstava Dvadsaťdva realistov, 1970. Po úspechu tejto show sa Meisel následne v 70-tych rokoch znovu objavil ako jednočlenný roztlieskavačky pre fotorealizmus, pričom svoju vlastnú galériu SoHo venoval propagácii fotorealistických umeleckých diel, ako aj publikoval prísnu päťbodovú príručku popisujúcu v presné detaily, ako by malo vyzerať fotorealistické umelecké dielo. Ďalší medzník pre fotorealistické hnutie prišiel v roku 1972, keď švajčiarsky kurátor Harald Szeemann riadil celok dokumenty 5 v Nemecku ako výkladná skriňa fotorealistického štýlu s názvom Spochybňovanie reality – obrazové svety dnes, predstavovať prácu neuveriteľných 220 umelcov pracujúcich s fotografickými štýlmi maľby.

Ako to urobili?

Veľký autoportrét od Chucka Closea, 1967-68, cez Walker Art Centre, Minneapolis

Fotorealistickí umelci preskúmali celý rad vynaliezavých a niekedy dômyselných trikov na dosiahnutie tak pôsobivo presných výsledkov. Newyorský maliar Chuck Close vytvoril obrovské, do najmenších detailov detailné portréty seba a svojich priateľov kombináciou niekoľkých revolučných techník. Prvým bolo nanesenie mriežky na polaroidový obrázok, aby sa rozdelil na sériu malých komponentov, a potom namaľoval každú malú časť naraz, aby ho nezaplavila obrovská úloha. Tento metodický prístup porovnal s „pletením“, keďže obraz je vytvorený metodicky rad po riadku. Zatvorte aj nanesené prvky farby pomocou airbrush a zoškrabte do nej žiletkami, aby ste dosiahli jemnejšie oblasti definície, a dokonca pripevnite gumu k elektrickej vŕtačke, aby skutočne fungovala v tých jemnejších oblastiach tónu. Prekvapivo tvrdí, že má svoje ikonické rozmery 7 x 9 stôp Veľký autoportrét, 1967-68 bola vyrobená len s lyžičkou čiernej akrylovej farby.

Druhá svetová vojna (Márnosť) od Audrey Flack , 1977, prostredníctvom Christie’s

Naproti tomu kolegyňa newyorská umelkyňa Audrey Flack premietala svoje vlastné fotografické obrazy na plátno ako návod na maľovanie; prvé z jej diel, ktoré boli takto vyrobené, bolo Farb rodinný portrét, 1970. Práca s projekciou jej umožnila dosiahnuť oslnivú úroveň presnosti, ktorá by sama o sebe nebola možná. Flack potom pomocou airbrush nanášala tenké vrstvy farby na svoje plátna, čím v konečnom výsledku odstránila všetky stopy po ruke. Na rozdiel od neviazaného štýlu jej súčasníkov boli Flackovej maľby často obdarené hlbším emocionálnym obsahom, najmä jej štúdie zátiší, ktoré odrážali tradíciu memento mori so starostlivo umiestnenými predmetmi symbolizujúcimi krátkosť života, ako sú lebky a horiace sviečky, ako je vidieť na diela ako napr Druhá svetová vojna (Márnosť), 1977.

Hyperrealizmus

Muž na lavičke od Duane Hansona , 1977, prostredníctvom Christie’s

V dôsledku hnutia fotorealistov sa koncom sedemdesiatych rokov objavila nová, nafúknutá verzia štýlu, ktorá sa stala známou ako hyperrealizmus. Na rozdiel od všeobecného mechanického, odtrhnutého zraku fotorealistických subjektov sa hyperrealizmus sústredil na zámerne emotívne subjekty, pričom umocňoval pocit úžasu a veľkosti ich subjektov obrovskými mierkami, extrémnym osvetlením alebo náznakmi naratívneho obsahu. Nezávislý kurátor, spisovateľ a rečník Barbara Maria Stafford opísal štýl pre časopis Tate Gallery Tate Papers ako niečo, čo je umelo zosilnené a nútené stať sa skutočnejším, ako to bolo, keď existovalo v reálnom svete.

Sochárstvo bolo obzvlášť dôležitým prvkom hyperrealistického umenia, najmä odliatky zo sklenených vlákien amerických sochárov Duane Hansona a Johna de Andrea, ktoré umiestňujú neuveriteľne realistické postavy do póz alebo scenárov, ktoré naznačujú nevypovedané príbehy pod povrchom. Súčasný austrálsky sochár Ron Mueck v posledných rokoch doviedol tieto myšlienky do extrému a vytvoril surrealistické figuratívne emblémy, ktoré hovoria o zložitosti ľudského stavu s posunutými mierkami zameranými na zosilnenie ich emocionálneho vplyvu. Jeho obrovské novonarodené dieťa v Dievča, 2006, je dlhý vyše 5 metrov a pomocou divadelnej drámy zachytáva zázračný zázrak priviesť na svet dieťa.

Dievča od Rona Muecka , 2006, prostredníctvom Národnej galérie v Melbourne, Austrália a Atlantik

Najnovšie nápady vo fotorealizme

Loopy od Jeffa Koonsa , 1999, cez Guggenheimovo múzeum v Bilbau

Fotorealizmus dosiahol svoj zenit v 70. rokoch 20. storočia, ale odvtedy variácie tohto štýlu pretrvávali aj počas nasledujúcich desaťročí. Po explózii informačných technológií v 90. rokoch 20. storočia si nová vlna umelcov osvojila fotoreálne spôsoby práce, no mnohí sa posunuli za hranice doslovnosti fotorealistického umeleckého hnutia zavedením prvkov kreatívnej digitálnej úpravy v počítačových programoch.

Bez názvu (Oceán) od Vija Celmins , 1977, cez Múzeum moderného umenia v San Franciscu

In Americký umelec Jeffa Koonsa gýč, Easyfun-Éterický séria vrátane diela Loopy, V roku 1999 vytvára digitálne koláže so zvodnými vystrihnutými úryvkami z časopisov a billboardových reklám, ktoré potom jeho tím asistentov maľoval na obrovské plátna veľkosti steny. Na druhom konci spektra americká umelkyňa Vija Celmins robí drobné, nádherne pozorované kresby a výtlačky na papieri v čiernobielom prevedení, sprostredkúvajúc obrovské rozlohy oceánu alebo nočnú oblohu plnú hviezd drobnými, opakujúcimi sa škvrnami a šmuhami, ktoré odhaliť stopy ich výroby.

Plytké úmrtia podľa Glenn Brown , 2000, cez The Gagosian Gallery, Londýn

Britský maliar Glenn Brown zvolil úplne iný prístup; stavajúc na surrealistickom jazyku hyperrealizmu vytvára fotoreálne kópie slávnych expresionistických umeleckých diel, ktoré žiaria aurou neprirodzeného svetla, akoby sa pozerali na obrazovku počítača. Brownov zložitý proces skopírovania fotografie iného umelca do farby odhaľuje, ako úzko sú naše skúsenosti s videním a vytváraním obrazov prepojené s dnešným digitálnym zážitkom.